There Will Be Blog

Benny Hinn: Pastor Telecinético

2008-05-11T22:26:00.002-03:00

Produtores de Hollywood, caso haja algum plano para um biofilme sobre esse grande homem, por favor entre em contato, tenho idéias, potencial de Oscar, etc.

Bizarro

2008-03-25T09:55:00.000-03:00

Devia Ter Pensado Nisso...

2008-01-17T09:13:00.000-02:00

Meus favoritos:

9: Emburrada, mas com um movimento gracioso.
15: Vai lá, fodão.
21: Esse cara tem no mínimo 39.
40: Parece um boneco risonho.
44-->45: Comédia de justaposição.
49: "Quarenta e nove e de bem com a vida."
53: O primo do Borat.
59: Khansc.
62: De Niro daqui a uns 8 anos.
72: Inexplicavelmente genial.
78: Veja acima.
82: "Pronto, cadê o meu cheque?"
96: A avó do Borat.
97: "Ingrid, how word are you? How word are you?"
99: Ray pós-Jacko.
100: Melhor voz.

Era do Gelo Chegando - Parte I

2007-10-29T23:49:00.001-02:00

Eu sempre achei que o jeito mais sensato de interpretar “Idioteque”, a música-chave de Kid A (o disco-chave do Radiohead [a banda-chave do século 21]), é enxergando ela como sendo sobre ela mesma. Com Kid A, o Radiohead deu um salto gigantesco do rock expansivo de Ok Computer para o gênero que permite a expansividade suprema: a música eletrônica. Thom Yorke, o líder da banda, decidiu empurrar seus parceiros na direção do que ele andava ouvindo desde o término da turnê do OKC, e essa direção era o catálogo da Warp, uma gravadora que lança os artistas eletrônicos mais ousados e experimentais (geralmente os que pertencem ao “subgênero” IDM: Intelligent Dance Music), como Aphex Twin e Autechre. O Yorke obviamente percebeu a enorme quantidade de possibilidades que o apoio tecnológico proporcionava, como quase infinitas opções de ritmos e texturas e melodias. Com toda essa liberdade, ele tinha tudo que precisava pra poder recriar as paisagens alienígenas que ocupavam a sua cabeça (e todo mundo sabe que o atrativo principal de Radiohead é suas paisagens sonoras, principalmente as alienígenas).

E aí entra o refrão de "Idioteque", “Here I’m allowed everything all of the time”, cantado no falsete mais eufórico da carreira dele. Pra mim, essa frase foi sempre um grito de guerra de Thom a favor da música eletrônica, que até hoje (e ainda mais há 7 anos atrás, quando Kid A foi lançado) sofre um certo preconceito de uma boa porção mais “conservadora” de músicos e ouvintes. O resto da letra defende a minha teoria.

Uma das características das letras de Yorke são suas mudanças de pontos de vista e perspectivas dentro de uma mesma canção, e os versos de "Idioteque" - ao contrário do refrão positivo - descrevem um cenário quase apocalíptico, como se uma guerra estivesse prestes a acontecer (“Women and children first”; “Who’s in the bunker?”). No segundo verso, ele menciona a chegada de uma nova “era de gelo” e pede desesperadamente para que tal era de gelo seja “jogada no fogo”, uma descrição perfeita das críticas à música eletrônica – que ela é fria, não tem o calor da "alma humana", e outras merdas do tipo. Esses trechos negativos formam, na minha opinião, um retrato de uma reação conservadora à chegada de uma nova forma de compor e ouvir e sentir música, uma reação muito semelhante à chegada de qualquer tipo de tecnologia (“Pra que eu vou usar o telefone se eu posso conversar cara-a-cara?”, disse algum infeliz há um tempão atrás).

Pois bem. Essa semelhança me atingiu há pouco tempo, enquanto eu lia “The Singularity is Near”, de um inventor/cientista muito esperto chamado Ray Kurzweil. Eu comprei o livro importado há algum tempo e não sei se ele já está disponível no Brasil, mas não se preocupem, caros leitores. Eu darei uma breve, superficial explicação do que diabos é a Singularidade e por que ela está Próxima. Para isso, vou precisar roubar uma idéia de um texto do crítico Mike D’Angelo, que também já escreveu sobre o assunto no blog dele. É uma simples comparação que vai deixar a idéia bem mais clara.

[Aqui havia um paragrafo removido pois Ristow o utilizou em um texto que ele mandou pra uma revista, mas que provavelmente não vai ser publicado. Valeu, Ristow]

O que isso diz? Que a evolução tecnológica é exponencial. A velocidade do seu desenvolvimento acelera com o tempo. E isso não é só para armazenamento de música. Esse conceito é verdadeiro da tecnologia em geral. (Existem várias evidências disso, que eu não vou continuar citando aqui. Se tiverem muito interessados, comprem o livro ou procurem no Google sobre o assunto). Nós criamos algo, e essa criação nos ajuda a alcançar o próximo passo - é como uma avalanche, que vai empurrando mais e mais neve à medida que sua massa cresce.

E o que isso diz? Que logo logo haverá transformações tecnológicas incríveis (especialmente nos campos de Robótica, Genética e Nanotecnologia) que causarão impactos enormes no jeito em que vivemos. E o crucial dessa última frase foi o “logo logo”. Como o avanço tecnológico acelera com o tempo, segundo Kurzweil e várias outras pessoas bastante inteligentes (incluindo o Bill Gates – alguém vai discordar de um bilionário?), não vai demorar vários séculos até que apareça inteligência artificial com a mesma capacidade da inteligência biológica (ou superior), ou até que curemos todas as doenças, até que existam carros voadores e realidade virtual perfeita. Nós estamos no joelho da curva (para cima) da evolução tecnológica, perto da explosão. Basta olhar para o exemplo da música. Daqui a algumas décadas (sim, enquanto todos os leitores desse blog ainda estiverem vivos), seu iPod não vai só guardar 10456549 gigas de música, mas também toda a informação contida no seu cérebro, e acesso imediato a toda a informação contida no resto do mundo. E você nem vai precisar daqueles fonezinhos de enfiar no ouvido.

Se isso soou completamente maluco, algo absurdamente absurdo, então você ta começando a entender o quanto essas transformações vão ser importantes. Pois se chegássemos a alguém de 1877 e colocássemos um iPod nas mãos deste indivíduo, ele ia pirar. Pirar. Pi-rar. Pior ainda, se tentássemos explicar o conceito de um iPod, e o que ele é capaz de fazer, esta pessoa ia lhe chamar de Satanista e colocá-lo pra queimar na fogueira (ou aquele negócio das “bruxas” foi antes? Tava precisando revisar História...). Assim como o pobre indivíduo de 1877 não conseguiria imaginar nada do que aconteceria 130 anos depois, nós não podemos imaginar nada do que acontecerá daqui a algum tempo, mesmo comprando o livro excelente de 600 páginas do Kurzweil. As transformações serão muito devastadoras. O subtítulo do livro: “When Humans Transcend Biology.”

***

“Here I’m allowed everything all of the time.” Foi isso que o nosso duende melancólico favorito cantou na música-chave do disco-chave do século 21 (que será o século-chave para a evolução humana). Ele estava descrevendo, na minha opinião, a liberdade da música eletrônica. Mas querendo ou não, ele também estava descrevendo a liberdade que a tecnologia vai proporcionar o ser humano (em qualquer situação) daqui a algumas décadas. Nanotecnologia, por exemplo, significa que milhares de minúsculos robozinhos poderão entrar no seu corpo e destruir qualquer agente maléfico presente; poderão entrar no seu cérebro e expandir suas capacidades intelectuais, além de manipular os seus sentidos e criar realidades virtuais totalmente realistas, ou conectá-lo com outra pessoa a milhares de quilômetros como se estivessem sentados no mesmo sofá. Esses mesmos robozinhos poderão sair do seu corpo e se agrupar em qualquer formato, criando qualquer estrutura que você desejar, como mágica. Um balão, uma girafa, uma Jog. E isso é só um exemplo de inúmeras mudanças que ocorrerão em todos os aspectos da existência humana.

O meu ponto, basicamente, é: o jeito que você vive hoje não tem absolutamente nada a ver com o jeito que você viverá daqui a 40 anos (e além). O próprio fato da Morte virar um conceito obsoleto – já que você poderá uploadar o seu cérebro pra um computador e existir por tempo indefinido, ou consertar e melhorar o seu corpo a qualquer momento, ou etc, etc – já será uma mudança profunda em como funcionamos.

Então como lidamos com o conhecimento de que essas mudanças ocorrerão? Se tudo vai mudar, como eu posso planejar e organizar minha vida sabendo que daqui a 40 anos nada do que eu planejei vai fazer qualquer diferença?

***

Vou continuar com a parte II daqui a alguns dias.

Era Só o Que Me Faltava

2007-10-23T22:45:00.000-02:00

Agora pouco eu matei uma mariposa enquanto o Thom Yorke cantava no meu som a seguinte letra: "I am a moth who just wants to share your light/I'm just an insect trying to get out of the night".

Eu nunca mais vou matar uma mariposa.

PS: O título desse post é o que tradutores brasileiros de filmes fariam com o nome "All I Need" se pudessem.

PPS: Sim, isso é o melhor que eu tenho a dizer depois de meses em silêncio.

A Humanidade

2007-08-22T10:18:00.000-03:00

"[...] é uma metáfora. Para o que? Eu não sei."
- Werner Herzog.

Can you press all the buttons?

2007-07-29T20:21:00.000-03:00

Eu tava lendo sobre robôs e achei isso:

Não sei bem porque (visto que eu já tenho uma boa idéia da capacidade atual da AI), mas eu fiquei bem impressionado. E também me deu vontade de rever Gremlins.

Can't get enough

2007-06-24T20:06:00.000-03:00

Eu já vi esse clipe três vezes. E eu raramente tenho saco pra clipes. A canção também é excelente (com o Mark E. Smith ainda conseguindo gritar).

2007 Até Agora...

2007-06-01T00:39:00.001-03:00

Eu não quero chegar no final de 2007 e ter que fazer comentários sobre discos que eu nem lembro direito, portanto vou aproveitar a chegada (mais ou menos) na metade do ano e abrir o bico. Quando for hora de revelar a lista final lá pra Dezembro, eu já vou ter me poupado bastante trabalho. Eu realmente sou um gênio, diz aí. Mais hein.

9 - Os Excelentes

01. From Here We Go Sublime, The Field
Eu já escrevi sobre ele aqui, e embora a nota tenha caído um ponto (já que as minhas experiências subseqüentes não tiveram o mesmo impacto embasbacante das primeiras impressões), o disco continua sendo o mais original (até onde eu sei) e o mais transcendental do ano. Depois de compreender o que o Sr. The Field tá aprontando, você nunca mais vai reclamar de um CD arranhado.

02. Boxer, The National
O álbum é tão masculino quanto o nome insinua, e a produção é sutil e sombria; é como se o garanhão autoconfiante e esperançoso de Alligator tivesse pego a estrada rumo à meia-idade e começado a ver o lado severo da vida. “One time you were a blowing young ruffian/Oh my god, that was a million years ago” canta Matt Berninger no refrão de “Racing Like a Pro”, sobre os escaladores da escada corporativa. Em “Green Gloves” ele anseia pela proximidade de amigos com quem ele não se sente mais confortável. Toda essa frustração é acompanhada de batidas nervosas que vão tentando dominar os pianos e guitarras tímidas. Eu não vou ser um audiófilo xenofóbico preso no mundinho indie; eu quero que a banda estoure com esse disco. Quero que eles virem o próximo Coldplay (em popularidade apenas, é claro). Eles merecem.

8 - Os Ótimos

03. Sound of Silver, LCD Soundsystem
A nova travessura do James Murphy está tão próxima de um 9 que a diferença quase perde o sentido. Se “Sound of Silver” e “Us vs Them” fossem um pouco menores em duração, o pulo poderia ser dado. Se o lado-b “Freak Out” – com sua batucada e baixo funky me trazendo memórias de Fela Kuti - tivesse entrado no disco, talvez. Mas o que está lá é geralmente ótimo, e a obra cresce com o tempo - como acontece com todos os grandes álbuns - tanto em diversão quanto em sutileza (cresce na sua cabeça, é claro; nós não inventamos músicas metamórficas [ainda]). “Someone Great”, com a sua linha de baixo monstruosa, ecoando como um motor de alguma indústria distante, e “All My Friends”, com a repetição e propulsão krautrockiana, são duas obras-primas, e colocar uma atrás da outra só pode ser classificado como um abuso sádico do Murphy.

04. Ga Ga Ga Ga Ga, Spoon
Eu imagino que nenhum disco na carreira do Spoon vai acabar virando um óbvio mega-clássico como, e.g. o Marquee Moon foi pro Television. O Britt Daniel, Jim Eno & Cia. parecem estar satisfeitos com juntar 10 ótimas canções pop – geralmente minimalistas e com toques distintos de soul – num álbum e soltar pra galera. Não há nenhuma ambição por grandiosidade. Mas isso não é um problema quando você está ouvindo algo tão perfeitamente construído quanto “Rhthm & Soul”, com suas viradas de bateria pontuando a estrutura, o teclado melodramático aparecendo nos refrões, harmonias bizarras, etc. Até as músicas onde não vi muita graça, como a faixa final “Black Like Me” (aliás, qual é essa de finais decepcionantes esse ano? Juntando esse caso com a “Gospel” de Boxer...), são agradáveis de ouvir, por causa da produção ma-ma-ma-ma-maravilhosa.

05. Cover the Windows and the Walls, Grouper
O dicionário define "drone" – o termo com que a senhorita Liz Harris, a “Grouper”, costuma ser associada – como um “som monótono e contínuo”. Como disse o Morgan Freeman no final de Seven, “eu concordo com a segunda parte”, embora eu compreenda que a descrição inteira seja perfeita para muita gente. Não é um gênero acessível, e como não lembro de tê-lo rejeitado antes, eu não sei se há um período de adaptação aí. Mas pra mim, ouvir esse disco é prazer instantâneo. Eu posso ligá-lo em qualquer humor, há qualquer momento, e vou me sentir automaticamente relaxado. As faixas parecem baladas acústicas folk com uma sensibilidade shoegaze, só que completamente afundadas em reverb. Voltando ao Clichê N° 16, é realmente como ouvir música debaixo d’água, ou vindo de caixas de som potentes em montanhas à alguns quilômetros. E as pessoas que curtem Grouper provavelmente vivem em montanhas, então minha analogia faz sentido.

06. Chromophobia, Gui Boratto
Dos trabalhos de minimal techno – que é “O” subgênero eletrônico do momento, aparentemente – que eu ouvi esse ano, essa obra brasileira (sim, brasileira do Brasil, por incrível que pareça) é sem dúvida a mais sedutora e acessível de todas. A questão é: quem diabos é cromofóbico aqui? Certamente não o Sr. Boratto, que enche o álbum de tantos timbres e texturas diferentes que faz as faixas parecerem uma daquelas embalagens da Faber Castell. Quem mais poderia ser cromofóbico? Eu não. Eu dei 8 pontos. Talvez Boratto estivesse se referindo ao povo que não é fã de música eletrônica, mas dizer que tais pessoas sofrem de cromofobia é insinuar que o resto do espectro musical é monocromático (o que é retardado). Gui, qual é? Enquanto espero a resposta, vou ficar reouvindo aquela melodia da guitarra sinistra que aparece na marca de 3 minutos da faixa-título.

07. Neon Bible, The Arcade Fire
Esse é um daqueles álbuns que eu não tenho a menor vontade de ouvir até eu começar a ouvir, mesmo compreendendo que, se eu começar a ouvir, eu vou me divertir bastante. E eu não sei como explicar isso. Talvez seja a falta de ganchos óbvios que me mantém afastado, ou então a produção crua e, francamente, um pouco abrasiva. Mas embora os meninos do Arcade Fire tenham tido ótimas intenções e evoluído bastante do Funeral pra cá (pelo menos em termos de ambição), eu não posso colocar numa posição mais alta um álbum que eu só escuto uma vez a cada quatro luas cheias. O que eu tenho quase certeza é que “Ocean of Noise” – a “Haiti” desse disco, i.e. uma balada com uma melancolia latina – é a melhor canção do ano: a atmosfera praiana somada os metais mais emocionantes da década surgindo no clímax = orgasmo.

08. Some Loud Thunder, Clap Your Hands Say Yeah
Apresentador: “Senhoras e senhores, lhes apresento o prêmio do Disco Mais Subestimado do Ano. E a banda ganhadora é... [checa o envelope] ...a inusitadamente nomeada Clap Your Hands Say Yeah!”.
[Platéia bate palmas e diz “Yeah!”]
Apresentador: “Como a banda não pôde comparecer, devido ao trauma psicológico gerado pelo ferro que o público lhes penetrou no cu, chamo ao palco o seu defensor número 1, o Sr. Luis Calil.”
[Eu subo no palco, fazendo aquele sinal de “não precisa, não precisa” para os aplausos da platéia]
Eu: “O que aconteceu? Como é possível alguém ouvir a faixa-título que abre o disco e não ser completamente seduzido pela melodia nostálgica somada à produção distorcida (como se tivessem passado a canção toda por um pedal de fuzz)? Como alguém pode ouvir “Satan Said Dance” e não querer ir para o tal inferno descrito por Alec Ounsworth como “sem chicotes, sem correntes, só dança!”? E o pop barroco cheio de melodias fantasmagóricas de “Love Song N° 7”? Esse álbum é muito foda, e provavelmente vai continuar subindo na lista. E a reação ruim e injusta dos nerds de música foi a maior catástrofe de 2007 (incluindo a Fúria de Cho e as explosões diárias de Bagdá). Se a banda voltar pro estúdio e fazer outro disco medíocre com algumas canções ótimas (como foi o primeiro), vou ser eu quem vai pegar uma pistola e sair fuzilando garotos indies no próximo festival de música da Pitchfork. Muito obrigado.”

09. And Their Refinement of the Decline, Stars of the Lid
Eu estou ficando cansado de escrever. E não, eu não vou dar uma descansada e depois voltar. Isso é ambient bem dramático com forte influência clássica. É muito bom. Eu não me surpreenderia se ele também subisse algumas posições. Ele vai ser útil pra me acompanhar quando eu for escrever o meu próximo roteiro (depois que eu terminar o atual), que vai ser reflexivo, tenso e dramático. Eu estou ficando cansado de escrever.

10. Jonny Greenwood Is The Controller
Jonny Greenwood é o Controlador. O que mais você precisa saber? Ok: é uma compilação de reagge que funciona como provavelmente a melhor introdução para esse gênero complicado de se apreciar. Eu entrei (no lugar metafórico onde este disco estava soando) como um cético e saí um crente.

7 - Os Bons

11. Asa Breed, Matthew Dear
A partir de agora, só comentários curtos. Entendido? “Deserter” é uma das músicas mais viciantes do ano, e as composições são peculiares e estranhamente exuberantes o suficiente pra manter o interesse, mas a maioria das faixas ainda não me pega pelo pescoço e grita “eu sou foda!” como o single previamente citado, “Pom Pom” e “Don and Sherri” fazem. Ainda ouvi pouco. Veremos; o futuro parece promissor.

12. Volta, Bjork
Um álbum tribal e selvagem da Bjork soava perfeito na teoria. Eu já começava a sonhar com composições Fela Kutianas. Na prática, não tão perfeito: a seqüência de “I See Who You Are”, “Vertebrae by Vertebrae” e “Pneumonia” – três faixas que não me agradam muito - bem no meio destrói completamente a excitação inicial, e “Wanderlust”, por mais aprazível que seja, soa derivativa de qualquer outra balada épica da Bjork. A sorte é que todas as músicas que eu ainda não citei são ótimas.

13. Miss Diamond to You, Kathy Diamond
Disco (o gênero). Bem feminino e peculiar e nebuloso.

14. Favourite Worst Nightmare, Arctic Monkeys
Diga o que quiser dos Macacos do Ártico, eles sabem abrir e fechar um álbum. E eu não estou me referindo só a esse segundo esforço competente. Veja só, em ordem cronológica: “The View from the Afternoon”, “A Certain Romance”, “Brainstorm”, “505”.

15. The Reminder, Feist
O Lembrete: que eu ainda acho a voz da Feist divina. O Lembrete: que a Feist ainda é sexy. O Lembrete: que a Feist ainda sabe compor. O Lembrete: que ela precisa se esforçar um pouco mais da próxima vez.

16. This Bliss, Pantha du Prince
Como artistas que sabem escolher nomes tão bem podem parar na décima-sexta posição? Pra você ver o quanto o mundo é imprevisível. As duas primeiras faixas, “Asha” e “Saturn Strobe”, são fantásticas. O problema é que eu não consigo me lembrar de praticamente nada do resto. Mas continuarei ouvindo. E esse álbum merece ser investigado simplesmente por essas duas canções iniciais (que estão facilmente entre as melhores do ano).

17. We Are The Night, The Chemical Brothers
Eu comecei adorando. Agora eu nem sei se um 7 é apropriado. Ele, no entanto, tem vários momentos fortes; eu não posso negar o poder de “Saturate”, da faixa-título, daquela com o título alemão que eu não lembro agora, etc.

18. Person Pitch, Panda Bear
E o prêmio de Disco Mais Superestimado do Ano vai para... Não, isso não seria justo. Por que? Porque eu consigo compreender exatamente porque alguém amaria Person Pitch. Ele é como uma versão mais complexa do Grouper, cheio de loops banhados em reverb criando um ambiente cativante. Só não sei explicar porque ele não me excita tanto quanto o outro. Mas pretendo ouvi-lo mais vezes pra confirmar que eu não estou maluco (e.g. ano passado eu passei boa parte do tempo achando o disco do TV on the Radio superestimado... até alguma coisa clicar na minha cabeça e eu colocar ele no meu top 10 do ano... Ainda não vi graça no do Liars).

19. Hissing Fauna, Are You the Destroyer?, Of Montreal
Sintetizador Histérico, Você é o Destruidor? De qualquer forma: “We Are Born the Mutants Again” é uma das melhores músicas do ano.

20. Bambusbeats, Gabriel Ananda
É bem bom, e deve subir, mas nada aqui balança o meu cérebro como “Dopplewhipper”, um lançamento anterior do Ananda.

6 - Os Decentes

21. Friend Opportunity, Deerhoof
Faltou um pouquinho de consistência, né?

22. Timbaland Presents Shock Value
O único "choque" foi a quantidade de material medíocre presente. Timbaland, por favor, fique bem longe de rock. Valeu? Mas um terço do disco tem bastante valor.

23. Mirrored, Battles
Outro caso (depois dos já citados Bjork, Panda Bear, etc) de teoria > prática. Embora “Atlas” seja um monstro faminto e cruel, com dentes do tamanho de abóboras.

24. We Were Dead Before the Ship Even Sank, Modest Mouse
A produção é irritante. Tudo é GRITADO! BEM! NA SUA! CARA! Especialmente as guitarras. Mas eles ainda sabem compor música, com destaque para “Fire It Up”.

5 - O Mediano

25. Pocket Symphony, Air
O título explica. Soa bonito, mas é descartável.

4 - O Fraco

26. A Weekend in the City, Bloc Party
Eu não consegui ouvir esse inteiro mais de duas vezes. Só a faixa de abertura vale ser reouvida.

***

Depois desse último comentário fabuloso, alguém tá afim de me contratar pra escrever mais? Eu cobro uma fatia de pizza por parágrafo.

Discos que já lançaram/vazaram que eu ainda pretendo ouvir/estou ouvindo:

*Dan Deacon
*Andrew Bird
*Handsome Furs
*Patrick Wolf
*Elvium
*Low
*Menomena
*Clientele
*Elliot Smith
*Fennesz/Sakamoto
*Radical Face
*Studio
*Efdemin
*James Blackshaw
*Charlemagne Palestine

(Sim, a idéia de ter que encarar tudo isso também me machuca)

Nota: notem que há uma quantidade enorme de discos que eu gostei e uma quantidade minúscula de discos que eu não gostei. O motivo disso não é que eu dou nota boa pra qualquer merda, ou que tenho um gosto super inclusivo e tonto. É simplesmente uma questão de tentar evitar ao máximo discos que não são aclamados de alguma forma ou outra, ou que eu não ache que vá gostar.

Espero manter essa proporção até o final do ano.

Bjork está de Volta

2007-04-28T18:53:00.000-03:00

(notaram o trocadilho? Boa, hein?)

Esse vídeo foi a coisa mais foda que eu vi esse ano.

"Declare Independence" é uma obra-prima, e o disco novo dela inteiro é ótimo.

PS: Tem uma festa no prédio ao lado com som muito alto. Uma hora um pequeno trecho de uma música ficou travado num loop por uns 30 segundos e eu não sabia se era problema do som ou algum single antigo do The Field (se não foi, devia ser).

PPS: Eu vou nomear oficialmente a Bjork como a Rainha de Tudo e Todos.

Mmmm, what you say?

2007-04-24T07:08:00.000-03:00

Assistam isso:

E assistam isso logo em seguida.

Confiem em mim.

Mmmmm, what you say?
Mmmmm, what you--
Mmmmm, what--

Atualizado (dica do Wanderson):

Quiz de Cinema

2007-04-21T20:35:00.000-03:00

Sim, o nível tá descendo num ritmo fixo. É por falta de assunto mesmo.

Eu achei esse quiz num fórum de discussões que eu visito e decidi responder ele aqui no blog, com comentários estendidos onde eu achar necessário.

Ministério da Saúde Adverte: testemunhar auto-indulgência de um blogger pode causar sonolência.

1. Cite um filme que você viu mais de 10 vezes.

Putz, qual filme eu não vi mais de 10 vezes? É uma piada, mas eu tenho uma tendência anormal de assistir e rever filmes que eu gosto bastante. Acho que é porque é mais confortável ver um filme conhecido - onde o seu prazer é praticamente garantido - do que embarcar num novo sem saber o que esperar, ou qual será o resultado. E eu também gosto de rever filmes pra compreender como eles funcionam, e.g. mapear mentalmente a estrutura do roteiro, ou a sequência de planos de uma cena que eu achei efetiva.

De qualquer forma, eu acredito que pelo menos três filmes se encaixem nessa proposta: Gerry, O Iluminado e Aguirre, A Cólera dos Deuses. Eu francamente nunca me preocupei em contar as vezes que eu vi esses filmes, mas eu conheço eles tão bem que o número perde o sentido.

O primeiro é meio que um roubo. Eu vejo Gerry pelo menos uma vez a cada dois meses - já que eu tenho gravado desde a sua exibição no Cinemax Prime em 2002(3?), e recentemente consegui uma versão em DVD - só que não por inteiro. Ele funciona pra mim como aqueles discos ambient dos anos 70 do Brian Eno: puro relaxamento, e por isso eu sempre acabo dormindo antes do fim. É sobre dois jovens perdidos no deserto (Matt Damon, Casey Affleck), cheio de planos maravilhosamente fotografados deslizando pela paisagem azul e amarela do jeito mais agradável e hipnótico possível, as vezes acompanhados por uma trilha de Arvo Part. É prazer instantâneo, sem nenhum esforço mental. Mas só assisto do começo ao fim quando estou realmente interessado.

Já os filmes do Kubrick e Herzog me instigaram a voltar de novo não só por serem brilhantes, mas também por passarem por um processo de transformação. A minha primeira vez com ambos foi semelhantemente angustiante; são filmes alucinatórios com protagonistas dementes presos em ambientes opressivos. Com o tempo, no entanto, a angústia foi se dissipando, e eu comecei a enxergar o quanto as atuações principais de Jack Nicholson e Klaus Kinski são exageradas (intencionalmente) a um ponto que chega a ser cômico. Os dois ainda permanecem extremamente atmosféricos, e mantêm uma sensação de desconforto, mas agora eu posso rever e gargalhar também. Kinski brigando com um cavalo, por exemplo, ou Nicholson imitando cruelmente a voz da sua esposa, são momentos que trazem tanto humor quanto tensão pra mim.

Ok, eu vou precisar cortar o tamanho dessas respostas.

2. Cite um filme que assistiu várias vezes no cinema.

Acredito que meu recorde seja 5 vezes, com O Tigre e o Dragão.

E sim, eu ainda amo ele.

3. Cite um ator que aumentaria sua vontade de ver um filme.

Campbell Scott, o Sr. Roger, O Conquistador.

Chris Eigeman, o esnobe mais afiado de todos os tempos (Tempo de Decisão, Barcelona, Os Últimos Embalos da Disco).

Zooey Deschanel, talentosa e tremendamente linda (mas outro roubo, porque o único filme dela que eu já vi foi Prova de Amor).

4. Cite um ator que diminuiria sua vontade de ver um filme.

Cilliam Murphy. Foi o primeiro que surgiu na minha cabeça. To com preguiça de pensar em outros.

5. Cite um filme do qual você conhece (e cita) falas.

Recentemente, Tempo de Decisão.

6. Cite um musical do qual você conheça todas as letras de todas as músicas.

Nenhum. Acho que o mais perto que eu chegaria disso é Dançando no Escuro.

7. Cite um filme que você recomendaria pra todo mundo.

Algo acessível e “importante”? Dogville. Um Corpo Que Cai (junto com Time). Desencanto. Só esses que pularam na minha cabeça. Devem ter outros ainda mais apropriados.

8. Cite um filme que você possui.

Exótica.

9. Cite um ator que começou sua carreira de entretenimento em outra mídia, mas te surpreendeu com suas habilidades de atuação.

Justin Timberlake, pelas suas aparições no Saturday Night Live.

10. Já saiu de uma sessão?

Não que eu me lembre. Mas eu já desliguei filmes em casa, obviamente.

11. Cite um filme que te fez chorar no cinema?

Putz, qual filme não me faz chorar no cinema? Não, mas sério, os que eu consigo me lembrar: À Procura da Felicidade, O Tigre e o Dragão (sim, quebrando dois recordes), A Última Noite, e provavelmente vários outros.

12. Pipoca?

Raramente. Eu gosto de manter minha atenção no filme. O barulho da mastigação da pipoca geralmente atrapalha, e eu ainda tenho que ficar me preocupando com comida na minha roupa e dedos gordurosos, etc.

Mas eu costumo comprar aqueles saquinhos de amendoim pra comer enquanto espero a sessão começar, e os trailer acabarem (e agora, 5-10 minutos de propagandas e noticias de esportes).

13. Com quanta freqüência você vai ao cinema?

Uma ou duas vezes por mês. Mais por falta de opção mesmo. Goiânia até tem cinemas e sessões com "filmes alternativos", mas raramente eu me pego pensando "Pô, esse eu não posso perder."

Mas sempre terei o SPIFF.

14. Qual foi o último filme que você viu no cinema?

Se eu não me engano, 300. É bem fraquinho, mas tem várias composições belas, o que manteve o meu interesse. E aquele homem-cabra, né.

15. Qual é o seu gênero favorito?

Ficção científica. Em teoria, porque na prática, a maioria dos filmes FC são uma merda. Se bem que isso também vale pra qualquer outro gênero.

16. Qual filme você gostaria de nunca ter visto?

Ver filmes horríveis é sempre uma experiência edificante, tanto porque você pode analisar a ruindade deles, como ela veio a ser, e também pode zombá-los. Mas Contra Todos (de acordo com a capa do DVD, “o filme brasileiro mais premiado de 2004”) foi dose.

Outros: O Efeito Borboleta, Gatos Numa Roubada (talvez o pior dos piores).

17. Qual foi o filme mais estranho que você gostou?

Onde Sonham as Formigas Verdes, do Herzog. De longas, foi o primeiro que apareceu na minha cabeça. Se for contar curtas, o excelente trabalho do Kenneth Anger.

18. Qual foi o filme mais assustador que você já viu?

A Bruxa de Blair pela primeira vez, no cinema. Os Pássaros. O Exorcista III. Trechos de Primer.

19. Qual foi o filme mais engraçado que você já viu?

Levada da Breca, Deu a Louca nos Astros, Aguirre: A Cólera dos Deuses, Tempo de Decisão, a carreira dos Irmãos Coen, etc.

Nota: quem tiver blog, copie o questionário e responda também. E não se esqueça de avisar aqui quando o fizer, pra eu me lembrar de conferir (caso eu tenha interesse na sua pessoa).

Batalha Sem Perdedores

2007-04-13T16:44:00.000-03:00

Show de 1 hora da banda Battles foi uploadado no YouTube. Imperdível. Eu já vi duas vezes. Eles tocam math rock/neo-krautrock e tão lançando um disco novo esse ano, chamado Mirrored (que eu estou gostando). Prestem atenção no que o infeliz do baterista faz; é de cair o queixo.

Kurt Vonnegut, 1922-2007

2007-04-12T08:53:00.000-03:00

Me-Me-Me-Deu-Deu-Deu

2007-04-02T19:59:00.000-03:00

From Here We Go Sublime, The Field (2007) - 10

Todo mundo já ouviu um disco arranhado. Eu já ouvi uma versão mais intricada dele: o computador travado. Minha máquina antiga era levemente inferior à que eu tenho agora, e ela esporadicamente “congelava” - até o sistema ter a oportunidade de lidar com todos os programas operando no momento (ou o que quer que for que um sistema faça). E quando isso acontecia, a música tocando no meu Winamp naquele momento ficava presa numa repetição do mesmo fragmento de 1 segundo ou menos. E embora sempre exista uma grande quantidade de frustração em ter o seu computador travado por algum tempo, as vezes eu percebia que esse loop não-intencional – seja de alguma faixa de Coldplay ou de alguma sinfonia de Mozart - geralmente não soava nada mal (e como “intencional” rima como “nada mal”, isso quer dizer que eu estou falando a Verdade). A minha frustração se dissipava e eu começava a balançar a cabeça no ritmo, achando engraçado um cantor repetindo a mesma sílaba dezenas de vezes, ou o som de um prato cortado pela metade.

The Field transformou essa inconveniência do disco arranhado (ou computador travado) num dos discos de música eletrônica mais lindos que eu já ouvi. Aliás, risque isso. Mais apropriado seria dizer que eu não lembro de muitos outros discos que tenham me dado a quantidade de prazer que essas primeiras experiências com From Here We Go Sublime estão me dando agora. Eu acredito que essa analogia de “ouvir música dentro de uma piscina” já tenha ficado clichê, então eu vou tentar produzir uma variação dela: é como estar congelado dentro de um iceberg e ter um som congelado a alguns metros de você, tocando trance num volume alto. Tão alto que você começa a se aquecer. Aí o gelo derrete. E você começa a dançar nu no Pólo Norte. Etc. Você entendeu.

O ponto é que este disco é absolutamente mágico e surreal e hipnótico e você deve correr até o seu eMule ou Soulseek e baixá-lo o mais rápido possível. Só um aviso: cuidado com “The Deal”, a faixa mais longa. Ela pode te levar à um estado de êxtase tão grande que causaria danos psicológicos irreversíveis. Se você começar a se sentir tonto - ou notar uma ereção inesperada, ou ter um estranho desejo de querer ser um Telletubbie pulando em câmera-lenta – desligue o seu som e procure ajuda médica.

Aqui vai uma faixa pra dar um gosto da coisa: "Everyday". Eu diria que é uma das piores do disco, e ainda sim eu não ousaria chamar ela de nada menos que "ótima".

***

Em outras notícias, Boxer, o novo disco do The National, também vazou. É muito, muito bom. Corram atrás.

Melhor. Pedófilo. De Todos. Os Tempos

2007-03-18T22:25:00.000-03:00

Amei. Quero ver um filme sobre ele, estrelando ele.

Wake up, Donnie

2007-03-08T22:20:00.000-03:00

Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)
(89)
(DVD; quinta vez)

(spoilers)

A prevista transformação de Donnie Darko de um pequeno filme independente extremamente ambicioso para fenômeno cult entre adolescentes nerds, indies e proto-cinéfilos foi um quebra-molas na minha apreciação dele. As primeiras vezes que eu o vi foram anteriores à sua relativa explosão – o filme nem tinha chegado no Brasil ainda, e eu o assisti no computador – e na minha idade impressionável de 15 anos eu tinha certeza que havia visto uma obra-prima. Mas eu fui crescendo, os meus gostos cinematográficos foram ficando mais refinados e elitistas (acontece), e eu vi uma brecha se expandir entre o que eu estava passando a apreciar e o que os também crescentes fãs de Darko apreciavam. Seja na definição de “cool” segundo indies narcisistas – Angústia! Solipsismo! Joy Division! - ou na definição de “cool” segundo a turma de babadores da AICN – Coelho gigante com cabeça de metal! Portais interdimensionais! - o filme parecia se encaixar. O que inevitavelmente me levou à pergunta: como diabos eu podia ter gostado de um filme tão apreciado pelos motivos aparentemente errados?

(Eu suspeito também que parte do meu desgosto veio do fato de que o pequeno filme que eu “descobri” agora havia se transformado num fenômeno pop – o coelho Frank agora até aparece em flogs. Mas isso não vem ao caso)

De qualquer forma, eu senti que uma nova assistida do filme revelaria que eu teria sido enganado pela minha ingenuidade, e apreciado o que era meramente uma fraude, um Beleza Americana, um produto engenhosamente montado para massagear os egos e os “idéias de qualidade” de sua platéia. Esperei ganhar mais confiança no meu próprio gosto e julgamento, e finalmente peguei o DVD pra rever. E sabe de uma coisa?

Eu tava certo desde o começo. O filme é fantástico. E o seu sucesso faz completo sentido. Nós não estamos falando de um “pequeno filme independente”, mas sim de uma obra icônica, grandiosa, romântica e pop, não muito diferente de clássicos dos anos 80 como E.T. – O Extraterrestre, Curtindo a Vida Adoidado, De Volta Para o Futuro – mas é claro, com uma sensibilidade evidentemente mais peculiar. Ele realmente é um filme teen, mas um que constrói sua própria mitologia, um que pega as fórmulas, vira elas de cabeça para baixo, sacode, pisa, rasga e costura de novo; ele torna todos os clichês excitantes e vivos, contando, é claro, com a tremenda confiança que Richard Kelly - um iniciante de 26 anos na época - trouxe pra direção. E acredite, quando você sente arrepios vendo coisas absolutamente ridículas na tela – como o coelho Frank e os portais já previamente mencionados – você ganha a certeza de que está nas mãos de alguém que sabe exatamente o que está fazendo (uma certeza rara e extremamente prazerosa).

Mas o que coloca Donnie Darko como algo mais do que um híbrido de filme teen e fantasia extremamente divertido são os temas que flutuam pela sua narrativa, proporcionando ressonância emocional e as ocasionais revelações sobre a experiência de ser um adolescente. O que me toca mais é a idéia de que Darko é um filme sobre um período estranho e surreal da adolescência – ou pelo menos da minha adolescência – onde o mundo todo começa a se desmistificar, e qualquer sinal de espiritualidade e magia vai escorrendo lentamente pelo ralo. Junto a esse processo, há geralmente uma resistência por parte da pessoa, meio que uma última tentativa de acreditar que há algo “Além” desse mundo. Isso é brilhantemente retratado na premissa: um coelho da Páscoa demente aparece para Donnie numa de suas madrugadas – uma das visões causadas pela provável esquizofrenia do protagonista – contando que o mundo (i.e. o mundo ainda encantado pelo Impossível) vai acabar em aproximadamente 28 dias. Nós todos já não nos sentimos assim uma vez ou outra? (Não? Nunca?)

Se você acha que eu estou arrancando interpretações malucas da minha própria experiência pessoal, basta olhar para uma das cenas de Donnie e sua psicóloga (Katharine Ross, ótima no papel), onde ele melancolicamente menciona o seu medo da morte e da solidão. Depois de contar uma anedota sobre o seu cão (que se enfiou debaixo da varanda pra morrer), Donnie começa a falar sobre o cansaço gerado pela sua dúvida em relação à existência de Deus. Ou então, veja a intensa cena no cinema, onde Frank mostra a Donnie um “Portal”, que surge no meio do telão durante uma sessão de Uma Noite Alucinante. É um buraco revelando do outro lado um céu celestial, divino. Toda a trama que Donnie desenvolveu em sua cabeça – e eu não acredito que haja algum momento no filme em que não estejamos na cabeça dele - é cheio de elementos relacionados ao espiritual, e à idéia de permanecer jovem, ocupando um mundo de fantasia.

Note que o "vilão" do filme é um hipócrita pedófilo, que se finge de moralista mas corrompe criancinhas; se tem duas coisas que Holden Caulfield (o protagonista de outro clássico de angústia adolescente – esse da literatura – Apanhador no Campo de Centeio) não gosta, é de pessoas falsas e da perda da inocência infantil. Note também que o filme lida com viajar no tempo, uma idéia romântica da capacidade de satisfazer nostalgia. Note a tentativa de Donnie de dessexualizar os Smurfs. E o projeto de ciências que ele e Gretchen Ross (n.b: nome maravilhoso) criam, envolvendo uma máquina que exibisse apenas imagens de “coisas belas” para bebês, protegendo eles de “coisas ruins” (meio que um “Ludovico Treatment” reverso). E o momento maravilhoso onde Donnie pega os protetores de ouvido que a caçoada Cherita usava para se resguardar do mundo, e os coloca, se isolando completamente do exterior, enquanto caminha pelas ruas da cidade.

Resumindo: cada momento e reviravolta na narrativa do filme é cristalizado não só pela direção icônica e lírica de Kelly, mas também pelas idéias debaixo do tapete. Kelly consegue gerar (com total sucesso) uma atmosfera densa onde qualquer coisa parece possível, e as tensões psicosexuais da adolescência entram em conflito com as noções ingênuas de espiritualidade e pureza do protagonista, criando uma química estranha e vibrante. O dilema pessoal e íntimo de Donnie é apropriadamente transformado numa fantasia grandiosa e insana, onde ele é o centro. Porque é isso que adolescentes fazem (se você já não percebeu).

PS: Eu nem tive energia o suficiente para falar sobre o complexo messiânico de Donnie, ou sobre o subtexto político, sobre os aspectos de HQ, sobre a interpretação fascinante (e incestuosa) de Jim Emerson. Esse filme é denso que nem a porra. Vá fundo.

O Rosto Vermelho da Lula Infernal

2007-02-28T14:21:00.000-03:00

A Lula e a Baleia (Noah Baumbach, 2005)
(75)
(DVD; segunda vez)

*O melhor do filme é a natureza idiossincrática das memórias de Baumbach, o que sedimenta o fato do filme ser realmente autobiográfico. Detalhes como a Mãe arrancando uma pele seca dos lábios, ou o Pai pedindo para os meninos esperarem no carro enquanto ele dirige pelo quarteirão procurando uma vaga; é esse tipo de coisa que torna o filme fascinante. É como ver uma série gravações caseiras da família (e a textura granulada da Super 16 com que o filme foi filmado ajuda), só que tremendamente bem editadas (o filme é conciso, cortante, e flui com perfeição) e dirigidas (câmera segurada na mão com elegância, jump-cuts, etc).

*Além disso, o humor perspicaz do Baumbach é hilário - dessa vez menos esnobe, mas não menos sutil. Jessie Eisenberg falando sobre um livro de Kafka que não leu: “Yeah, it’s very Kafkaesque”. Sua namorada: “Cause it’s written by Franz Kafka.” Ele: “Right. I mean, clearly.” Se você consegue enxergar o quanto esse diálogo é genial, o filme (e a obra de Baumbach e Whit Stillman) é para você.

Paraíso Infernal (Howard Hawks, 1939)
(76)
(DVD; segunda vez)

*É bastante Hawksiano (ha ha). Os primeiros 30-40 minutos são excelentes, a narrativa movendo agilmente entre eventos, introduzindo a personagem da Jean Arthur, o clima fogoso do bar sul-americano (não me lembro exatamente onde o filme se passa), a equipe carismática do aeroporto semi-clandestino – incluindo, é claro, Cary Grant, que está monstruosamente divertido – o primeiro acidente fatal e a forma com que ele é lidado. O filme apresenta um grupo de pessoas que precisa controlar e reprimir seus sentimentos devido à natureza de seus empregos (e isso obviamente acaba atrapalhando vários outros aspectos de suas vidas, etc). Depois disso, a Jean Arthur meio que desaparece do filme, a Rita Hayworth aparece num personagem meio sem graça, a narrativa arrasta um pouco – com a chegada do “piloto amoral” tornando o filme tematicamente mais interessante, mas não necessariamente mais empolgante. Ainda é ótimo em geral, com um final matador.

Tempo de Decisão (Noah Baumbach, 1995)
(71)
(DVD; duas vezes)

*Um 71 significa basicamente que o filme é ótimo, re-assistível e provavelmente ficaria entre os 15 melhores do seu ano de lançamento. Mas a experiência de ver Decisão (uma tradução apropriada mas idiota do título original: Kicking and Screaming) é muito mais valiosa. É provavelmente a melhor introdução para o mundo “esnobismo” cômico citado acima, explorado por Baumbach e Stillman. Personagens super-articulados e geralmente inteligentes reclamam egocentricamente de suas vidas, usam sarcasmo como um escudo de proteção do mundo, liderados pelo rei dos reis, Chris Eigeman. Nesse, são 4 amigos que acabaram de terminar a faculdade, mas decidem continuar não fazendo nada e evitando confrontos e responsabilidades no campus. São espertos demais para serem crianças, mas imaturos demais para serem adultos.

*Eu vi duas vezes seguidas (num espaço de 24 horas) simplesmente porque, embora o filme em si tenha uma estrutura errante, momentos desinteressantes e nenhuma trama para proporcionar propulsão, o prazer de vê-lo ainda é imenso. Não só pela auto-identificação – eu reconheci tanto o meu próprio comportamento ali (e de vários amigos) que foi meio assustador – mas também porque o senso de humor de Baumbach está em perfeita sincronia com o meu. Por exemplo: um dos personagens mais avoados (interpretado por Carlos Jacott) fica misteriosamente colocando o controle remoto da TV na sua mala toda vez que decide viajar; quando Jacott pergunta se o fato dele ter colocado a mão na boca depois de pegar em dinheiro pode fazer mal, Eigeman responde completamente sério: “É claro. São assim que germes se espalham.”; Parker Posey conta que traiu o namorado escrevendo isso letras grandes numa folha de caderno (toque de ouro: alguns segundos depois de mostrar a folha, ela desenha um smiley triste ao lado da mensagem). Há algo do tipo a cada minuto, embora eu prefira evitar mencionar qualquer coisa além disso, pra não estragar a experiência.

*Eu sinto que a nota vai subir a cada nova assistida.

Luzes Vermelhas (Cedric Kahn, 2004)
(73)
(DVD)

*Outro filme cujos primeiros 40 minutos são excelentes. Kahn dirige e constrói a narrativa com tremenda precisão e um ritmo perfeito; a própria experiência de ver um filme tão bem feito é quase mais excitante do que o que está acontecendo nele (embora isso também seja excitante). Perde um pouco de fôlego quando o protagonista dá A Carona, recupera nos eventos claustrofóbicos do dia seguinte (especialmente a maravilhosa cena dos 1001 telefonemas). Vejam.

O Segundo Rosto (John Frankenheimer, 1966)
(61)
(DVD; segunda vez)

*PARANOIA! DESESPERO EXISTENCIAL! ALGUM TIPO DE FESTA PAGÃ! JAMES RANDOLPH É GORDO! Frankenheimer filma tudo de um jeito histérico, esquentado e desleixado, que vai ficando mais e mais irritante. As encenações são desairosas, com os diálogos cheio de pausas estranhas e atuações mal-calibradas. O que esse filme precisava, no entanto, era de uma certa estabilidade para equilibrar a premissa absurda; eu consigo imaginar o David Fincher fazendo um remake excelente, ou melhor ainda, Antonioni no começo dos anos 60 (a segunda metade é o tipo de coisa que ele domina com mestria). Aliás, até o Kim Ki-Duk seria apropriado (Time lida com uma premissa similar e possuiu o clima ideal).

*Que eu ainda gostei do filme mostra o quanto essa premissa absurda tem potencial. O desespero existencial do protagonista não é lidado com muita habilidade, mas ele ainda está lá, e é extremamente palpável. O que exatamente satisfaria Wilson/Hamilton? Será que há algo que pode proporcionar essa satisfação? Etc.

Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (Michel Gondry, 2004)
(81)
(Telecine; quarta vez)

*Não tenho o que falar. É brilhante em todos os sentidos. (Só a subtrama do povo da Lacuna Inc. no apartamento do Joel costumava me irritar um pouco, mas dessa vez foi agradável, e eu consigo enxergar sua necessidade).

Próximo post vai ser algum tipo de lista.

Nikolai, Youth Mortician!

2007-02-18T16:59:00.000-02:00

Deixei os filmes irem acumulando... Olha a merda que deu. Comentários mais breves ainda do que o normal, mas pelo menos estou falando sobre tudo que eu vi nesse meio tempo (é um exercício de disciplina):

Memórias de um Assassino (Bong Joon-ho, 2003)
(62)
(DVD)

*Olá, Bong. Um aviso: Distúrbio Maníaco-Depressivo (hoje conhecido como Desordem Bipolar) já tem tratamento. É essencial que este tratamento seja buscado, especialmente no seu caso, onde você alterna cenas de comédia e melodrama de 2 em 2 minutos, com resultados geralmente desengonçados e ineficazes. Podia ter sido excelente nas mãos de alguém com mais rigor - não necessariamente eliminando o humor, mas tornando ele menos escrachado e estúpido, e inserido nos momentos apropriados. Ainda é um filme ambicioso, levemente divertido, cheio de detalhes, e com um epílogo emocionante.

The Host (Bong Joon-ho, 2006)
(68)
(DVD)

*Olá, Bong. Vejo que você começou a usar o medicamento para Desordem Bipolar pelos primeiros 25 minutos desse filme, mas depois abandonou o tratamento. O que aconteceu, meu rapaz? O prólogo acompanha agilmente a criação e o desenvolvimento do monstro, e a primeira cena de ação te pega desprevinido – Bong não perde tempo criando suspense para a introdução da criatura, e a joga bem na sua cara – e é brilhante. Depois disso, o filme vai desmontando com uma narrativa errante, cenas arrastadas que não levam a lugar nenhum, subtramas desnecessárias, pouco foco, etc. Como no caso de Memórias, o filme ainda permanece levemente divertido, mas tinha tanto potencial...

Time (Kim Ki-Duk, 2006)
(75)
(DVD; segunda vez)

*Eu já escrevi sobre esse na minha cobertura do festival de SP do ano passado, e os meus comentários lá ainda estão válidos. O Kim Ki-Duk aparece com um conceito genial nas mãos e o explora habilmente. Em alguns trechos do segundo e terceiro ato eu fiquei constantemente segurando lágrimas. Se fosse só um pouquinho melhor, podia ter sido um clássico.

O Coração do Mundo (Guy Maddin, 2000)
(86)
(DVD; quinta vez)

*Ao contrário do filme anterior, nesse eu nem me preocupei em segurar lágrimas. Um filme que consegue te emocionar como se fosse um trator atropelando o seu sistema nervoso merece bastante mérito, especialmente se ele só dura 6 minutos. É sobre como problemas pessoais podem parecer catástrofes mundiais para os envolvidos, é sobre – como em Casablanca – o valor de sacrifícios pessoais para o bem maior, é sobre arte como terapia, entre outros. Uma obra-prima.

Dave Chappelle’s Block Party (Michel Gondry, 2005)
(74)
(AVI)

*É um documentário retratando o comediante Dave Chappelle planejando uma festa de música no seu bairro, no Brooklyn. O filme intercala cenas dos shows de Hip-Hop e R&B na festa com cenas do planejamento, dos convidados recebendo seus convites, Dave zoando com todo mundo, etc. O que mais você precisa? Um mapa? Faça-me o favor.

Filhos da Esperança (Alfonso Cuaron, 2006)
(51)
(DVD)

*Fala sério. Quem escreveu esse roteiro? Os filhos do Cuaron? Nesse caso, eles não tem esperança.

À Procura da Felicidade (Gabriele Muccino, 2006)
(67)
(Cinema)

*A trilha é horrorosa, mas o resto é surpreendentemente competente. Ainda há uma certa quantidade de manipulação barata, mas a história (baseada em fatos reais) em si é tão emocionante que eu passei a segunda metade toda segurando lágrimas (sim, de novo). Eu estava literalmente pensando: “Putz, eu não posso começar a soluçar alto aqui. Controle-se, Luis”. E não, eu não estou ficando sentimental. O roteiro é esperto, e mantém-se ocupado constantemente criando obstáculos para o protagonista, que vão acumulando e amontoando até chegar à um nível desesperador. E eu também aprecio o fato do filme propor e dramatizar a idéia de que a felicidade não é necessariamente um estado, mas sim uma emoção evasiva e efêmera, e que mesmo assim deve ser perseguida. O clímax, depois de duas horas de sofrimento, se torna quase transcendental (em grande parte por causa da atuação do Will Smith). Vejam.

Miami Vice (Michael Mann, 2006)
(58)
(DVD)

*Muito bem dirigido e montado, divertido até certo ponto, e a imagem da câmera HD está fantástica, embora a movimentação ainda seja escrota. Parece um filme que o Steven Soderbergh faria, só que sem o seu senso de humor.

Comedian (Christian Charles, 2002)
(55)
(AVI)

*Inútil se você já compreende o óbvio: sim, ser um comediante é difícil; sim, lidar com platéias é difícil; sim, o Seinfeld é foda; sim, sucesso não torna a criação artística mais fácil. Etc. Com isso dito, eu me diverti bastante. O filme tem uma trilha sonora de jazz, acompanha conversas de comediantes em bares noturnos e clubes de comédia, mostra um retrato dos bastidores de como é ser Seinfeld, é leve e despretensioso. Vale a pena procurar se você é interessado no assunto.

Irma Vep (Olivier Assayas, 1996)
(79)
(DVD; segunda vez)

*Já escrevi sobre ele. Como eu disse antes, é uma festa. Não tem erro.

Apocalypto (Mel Gibson, 2006)
(59)
(Cinema)

*Vou copiar o que eu escrevi em outro lugar: "O Mel Gibson mostra como os povos indígenas se "auto-destruiram", mas não é por causa do conflito entre tribos diferentes (esse pode ser o motivo histórico, mas não é o que o filme está interessado). Gibson deixa implícito - através de traços e elementos religiosos na narrativa, como a Menina-Oráculo - que o que ele acha que causou o fim daquele povo foi a sua "crueldade" e "imoralidade" (representada através dos sacrifícios na cidade, o massacre na vila, entre outros). Os conflitos intertribais e a chegada dos europeus foram como uma punição de Deus. Isso - a interferência de Deus - é dramatizado na forma em que o grupo dos indios malvados vai morrendo, sendo eliminados um por um por elementos da natureza (onça, cobra, abelhas, etc). De qualquer forma, é um filme legalzinho, mas mal dirigido. Com um diretor mais competente no comando, poderia ter sido ótimo. E a imagem da camera HD está meio escrota. Para sua consideração: "Os Sacrifícios na Cidade Maia", já entre as melhores cenas de 2007 (no Brasil). Vale por si só o preço do ingresso."

Charada (Stanley Donen, 1963)
(74)
(DVD)

*É super divertido, engraçado, Hitchcockiano, bla bla bla. É sobre como nossa felicidade em relacionamentos depende da nossa tendência instintiva e duvidosa de confiar no próximo. Ou algo assim. Tem uma cena que o Cary Grant toma banho vestido num terno. É informação o suficiente pra você? Que tal uma atuação coadjuvante absolutamente genial (e cômica) de Walter Matthau? Muito bem dirigido e escrito. Nota mental: procurar mais filmes antigos com o Walter Matthau.

O Sacrifício (Andrei Tarkovsky, 1986)
(45)
(DVD; quarta vez)

*Eu não via esse filme a uns 2 ou 3 anos. Um antigo favorito – minha nota antes era um 86, mostrando uma queda de 41 pontos (!) nessa nova assistida – mas agora me parece apenas intermitentemente bom, com vários trechos arrastados e tediosos, especialmente no segundo ato, depois da revelação da possível guerra que estaria acontecendo. Eu acredito que é uma questão da minha fascinação inicial pelo trabalho da Tarkovsky ter decaído com o tempo devido à uma crescente familiaridade (opa, o tema de Time!). O que me parecia exótico e inovador aos 16/17 agora já não é tão grande coisa. O filme ainda tem uma atmosfera densa, mas o Tarkovsky abusa tanto do ritmo ponderado que ela acaba se desintegrando (eu também descobri nesse período de 3 anos que economia é uma boa qualidade). Os primeiros 40 minutos são bastante agradáveis, retratando a dinâmica da família e o clima sazonado e suave do dia do aniversário do protagonista (Erland Josephson, numa atuação fantástica), com o carteiro Otto trazendo um certo senso de humor. Mas a alteração de tom na segunda metade meio que faz tudo desabar. O que resta de excitante são só as montagens surreais que só o Tarkovsky sabe fazer.

Meu Tio Misterioso é Mulher de Verdade

2007-02-06T12:50:00.000-02:00

No Silêncio da Noite (Nicholas Ray, 1950)
(78)
(DVD; segunda vez)

*Roteiro maravilhoso – se um pouco teatral, prendendo os atores em cenários pequenos por longos períodos – cada fala uma mordida, perspicácia em abundância raramente vista, e um jeito habilidoso de cimentar a Tragédia do filme, tornando-a tanto inevitável quanto melancólica. Aliás, a história em si é tão sombria e deprimente - e de um jeito tão eficaz - que você se sente fisicamente mal no fim do filme (crédito também do Nicholas Ray, que filma tudo num nível ferozmente emocional). Bogie e Gloria Grahame rebatem falas um do outro com perfeição, e o casal que eles formam parece ideal – percebe-se que a Grahame é a única mulher que Bogie conheceu com a frieza e esperteza necessárias para agüentar o seu temperamento problemático. Ganha alguns pontos extras da minha parte por ser sobre um roteirista, perde outros por ir dissipando a energia inicial. Mas com falas como “It was his story against mine, but of course, I told my story better”, eu não posso reclamar. Excelente.

Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder, 1950)
(77)
(DVD)

*É isso que dá demorar pra comentar sobre os filmes: eu já não lembro de muita coisa, detalhes interessantes, etc. O que eu sei é que, ao contrário de No Silêncio da Noite, este (outro filme envolvendo um roteirista! No mesmo ano!) começa empacando e vai ganhando força com o tempo. Passei um período discutindo comigo mesmo se a atuação desenfreada da Gloria Swanson é apropriada ou não (a personagem era uma estrela de cinema mudo, né?), mas quando o debate se acalmou, os momentos mágicos começaram a surgir. O ambiente criado por Swanson e seu mordomo para iludir ela mesma (a achar que ainda era uma venerada estrela) é interessante de se observar, mas você não entende emocionalmente o que está em jogo para a personagem até a fantástica, arrepiante cena onde ela visita um estúdio e é cercada por atores e trabalhadores do local, observada como se fosse uma espécie de pavão em extinção (o que, de certa forma, ela é). Final inesquecível, etc.

Distant (Nuri Bilge Ceylan, 2002)
(57)
(DVD)

*Várias coisas me influenciaram contra o filme: 1) a cópia que eu baixei (e gravei em DVD) era dublada em italiano – e eu, esperto como sempre, só fui perceber depois de uns 20 minutos (pensamento durante o filme: “Eu não sabia que a língua turca soava tanto como a italiana!”) – 2) a gravação pra DVD em si estava problemática, com o filme dando uns leves “pulos” de 15 em 15 segundos (culpa da mídia de merda); 3) é um filme seguindo o padrão “arthouse mastershot” – planos longos, cuidadosamente compostos (nesse caso, com ênfase na distinção do primeiro plano e do fundo) – que é muito mais apropriado para uma telona de cinema, sem falar que o filme é geralmente lindo de se ver. Então teve essas merdas. Mas vários momentos (geralmente cômicos) ainda ficaram gravados na minha cabeça, especialmente a tentativa inicial do viajante de flertar com uma moça na rua – colocando óculos, fazendo uma pose-James Dean encostado num carro, disparando o alarme do carro – e o plano do navio deitado, coberto de neve.

Meu Tio da América (Alain Resnais, 1980)
(69)
(DVD)

*Filme extremamente interessante; idéia fascinante, execução deixa a desejar. Etc. Suponho que seja mais eficaz ainda pra quem não conhece nada sobre psicologia evolucionária, teorias biológicas de comportamento, etc. Vou rever algum dia. Sem energia pra prosseguir.

Mysterious Object at Noon (Apichatpong Weerasethakul, 2000)
(60)
(DVD)

*Como o filme do Resnais, é uma idéia fascinante – fazer um documentário onde é pedido de cada entrevistado que continuem uma história fictícia do jeito que quiserem, e entrecortar tais entrevistas-narrações com encenações da história – e uma execução que deixa a desejar. O “Joe” é um dos meus cineastas atuais favoritos, mas pode-se ver que as principais qualidades que me conquistam nos filmes dele – como a atmosfera densa e sensual, etc – não estavam tão presentes neste primeiro projeto dele. A qualidade da imagem/som não estava ótima na minha cópia, mas claramente preto-e-branco não é uma boa idéia pra ele – é muito opressivo, a imagem não parece respirar como a dos seus filmes seguintes. E o jeito que ele lida com o conceito é meio desleixado: as encenações estão rígidas/amadoras demais, e o ritmo lento do filme não é só uma questão de ponderação – parece que o Joe não fazia muita idéia de como estruturá-lo direito. Ainda é fascinante, cresce na sua mente depois que acaba, e tem várias cenas sublimes. Destaque para a encenação teatral da história, a velha maluca/bêbada, e as criancinhas se esbarrando enquanto decidem o destino dos personagem, e implodindo completamente a história. Próximo passo: seu segundo filme, Blissfully Yours.

Mulher de Verdade (Preston Sturges, 1942)
(61)
(DVD)

*O Sturges, na teoria, soa maravilhoso. Mas na prática, algo ainda me impede de me envolver completamente com seu trabalho. Tanto esse quanto Contrastes Humanos (que eu gosto um pouco mais) são filmes claramente sofisticados e, de certa forma, ambiciosos, mas eu admiro de uma certa distância. As falas são afiadas, mas elas não costumam me fazer gargalhar, como Hawks ou Lubitsch. A decisão (possivelmente intencional) de fazer a personagem da Claudette Colbert ter que escolher entre um zé-ninguém sem muita personalidade ou graça (portanto, valorizando o amor) e um ricaço com um certo charme tonto (portanto, valorizando o conforto, dinheiro, etc) é esperta – um filme genérico de Hollywood faria o zé-ninguém ser maravilhoso e o ricaço ser um otário – mas eu nunca me senti muito envolvido no dilema. E não doeria se o Sturges puxasse um pouco as rédeas e tentasse estabelecer outras formas de se expressar sem precisar escrever 8 páginas de diálogo por cena. Mas é um filme bom, e recomendado, sem dúvida.

Próximos capítulos: Dobradinha Bong (bong bong?)! Filhos da Esperança! Arcade Fire! Top 10s! Entre outros...

Artistas Semi-Frustrados

2007-01-31T12:42:00.000-02:00

O Grande Truque (Christopher Nolan, 2006)
(80)
(DVD; terceira vez)

*É um filme sobre fé, sobre negação e escapismo, sobre auto-ilusão, e sobre arte em geral. Conta a história de dois mágicos que se esforçam e auto-sacrificam para fazer truques “inexplicáveis”, e conta também a história da platéia, na virada do século, que enxerga tais truques como a esperança de que há algo no mundo além do normal, do banal, do sólido – como na cena onde Angiers e Borden visitam o mágico chinês, e Angiers pergunta porque alguém como tal chinês agüentaria toda a farsa que ele vivia só por causa de um truque. A resposta de Angiers é simples: “É pra escapar de tudo isso”, acompanhada de alguns socos na parede ao lado dele. Como diz Cutter ao juiz quando explicando o trabalho de tais mágicos: “Eles são mágicos. Eles vivem para enfeitar verdades simples, e as vezes brutais”. O “Homem Transportado” não é só um truque fantástico, ele é Deus (ou a idéia de Deus). E ao invés da platéia tentar decifrar o segredo por trás da magia – que é provavelmente simples, decepcionante – eles ignoram isso, e se deixam levar pelo espetáculo e pela adrenalina de presenciá-lo. Pra eles, não é só entretenimento, é um contra-argumento, em resposta aos avanços científicos da época (com Edison e Tesla espelhando a competição entre Angiers e Borden).

*A ciência chega para proporcionar explicações e banalizar a magia. Quando Angiers vê um campo de neve com centenas de lâmpadas o iluminando, ele sente o mesmo tipo de espanto que a sua platéia sente ao ver um de seus truques. Mas o assistente de Tesla logo explica que eles estão apenas usando condução de eletricidade de uma forma pouco conhecida. O propósito da máquina de Tesla, criada para Angiers, é simular a “magia” de Borden – Angiers não acredita que há uma explicação simples, “um dublê” como Cutter sugere, assim como criacionistas preferem enxergar uma "ilusão complexa" na Evolução ao invés da explicação lógica de Darwin. Estamos falando da famosa terceira lei de Arthur C. Clarke: “Qualquer tecnologia suficientemente avançada é indistinguível de mágica.” A simulação científica do truque de Borden é tão impressionante que, quando o financiador vê Angiers executando tal truque, diz para “Enfeitar um pouco. Dê razões suficientes para o público duvidar.” Porque é a dúvida que os trazem a fé. Revelando o truque de Angiers como algo real, a esperança da platéia (de Algo Mais) se dissipa.

*O filme – filmes em geral, mas especialmente um como esse – funciona da mesma forma. Ele luta contra o nosso cinismo, nossa vontade de ver o que estamos assistindo como “mentira” – como risadas da platéia, mantendo distância da obra. Mas Angiers e Borden sabem porque eles fazem sua arte. Como Angiers diz no final: “A platéia sabe a verdade. O mundo é simples, miserável. Sólido até o fim. Mas se você puder enganá-los, mesmo por um segundo, então você pode fazê-los pensar. Então você pode ver algo muito especial... O olhar em suas faces.” É um tema poderoso, profundo. Que os irmãos Nolan se deram o trabalho de construí-lo e estruturá-lo em volta de uma narrativa tão densa e instigante já um feito de deixar qualquer espectador com o queixo no chão – especialmente pessoas que tem a ambição de criar algo similar. A cena onde Borden estréia o “Homem Transportado” – quando vemos pela primeira vez algo realmente “incrível” – foi um dos melhores momentos cinematográficos de 2006.

Perfume: A História de um Assassino (Tom Tykwer, 2006)
(76)
(Cinema; duas vezes)

*Antes de mais nada, eu imploro que qualquer pessoa que venha a ler este blog (sim, os milhares de vocês) veja este filme urgentemente, enquanto ele ainda está no cinema. Não só porque o seu efeito provavelmente irá diminuir em DVD, mas porque é importante que filmes como esse atraiam platéias. É ousado, caro, e facilmente ridicularizado – eu já vi duas vezes, e a platéia riu em vários momentos (intencionais ou não) em ambas as sessões. Mas se você se deixar levar pela história absurda e pelo tom perturbador – uma mistura de sensacionalismo sombrio e humor negro – terá uma experiência memorável (não estávamos falando disso agora pouco?...).

*Tom Tykwer pegou o romance pervertido de Patrick Suskind e o adaptou como um aprendiz (consideravelmente mais energético) de Stanley Kubrick. O tom perturbador que eu mencionei acima é similar ao de Laranja Mecânica – outra história com um protagonista imoral e egocêntrico, onde vemos seus atos terríveis com um certo senso de humor – e ao de Barry Lyndon. A diferença, nesse caso, é que Grenouille (o jovem com o olfato mais potente do mundo) é um Artista. Como em O Grande Truque, vemos durante boa parte do filme os sacrifícios (nesse caso, não pessoais) do protagonista em nome de sua arte. Como nasceu num lugar pútrido – o mercado de peixes de Londres – e sem a menor educação, ele não tem um senso de moralidade, e vê seus objetivos como tão importantes quanto qualquer coisa no mundo. Não tem também nenhuma auto-estima: nunca foi amado, ou apreciado, sempre tratado como um escravo ou um animal, menosprezado. Quando vai até uma caverna numa montanha longe da civilização, onde supostamente o seu olfato é relaxado pela falta de cheiros, ele percebe que ele mesmo não tem nenhum odor próprio. É um dos temas do filme: a idéia de que o artista nasce da união de um talento especial e da vontade universal de ser amado e apreciado.

*(SPOILERS do Final) Se a revelação da obra-prima de Borden em O Grande Truque foi um dos melhores momentos de 2006, a revelação da obra-prima de Grenouille no final de Perfume será provavelmente o melhor momento de 2007. A cena da orgia não é transcendental apenas por mostrar o efeito orgástico da arte numa platéia, mas também por introduzir outro tema fascinante ao filme: a capacidade da arte em proporcionar um prazer tão grande que atravessa e cancela o nosso julgamento moral. Como o Matt Zoller Seitz disse na crítica dele, essa é como a história de Roman Polanski, de Michael Jackson, etc. O perdão instantâneo da multidão, e transformação de Grenouille de um prisioneiro odiado para uma Pop Star é tão impressionante e excitante que eu nem me importei com as risadas depreciativas que estavam vindo da platéia (filhos da mãe cinicamente tentando manter ditância... veja acima). E o filme prossegue com a sua metáfora, mostrando que a adoração da arte de Grenouille não significa uma adoração da sua essência, se é que ele tem uma. Mover as pessoas ao êxtase não é o suficiente para o seu objetivo (ao contrário de Angiers). (FIM dos SPOILERS)

*Em termos de invocar com sucesso a ambientação de época, Perfume vence O Grande Truque. Por mais que Nolan seja um diretor competente, e por mais que Truque seja o seu melhor trabalho até agora (em termos de direção), Tom Tykwer deixa cada plano vívido e quase icônico. A fotografia é maravilhosa e a direção de arte é uma das melhores que eu já vi. Ben Whishaw está perfeito no papel difícil do enigmático, calado e quase selvagem Grenouille. A trilha sonora é linda, e a narração de John Hurt (entre outras semelhanças a Dogville) está impecável. E é inacreditável que gastaram tanto (por volta de 60 milhões de dólares) dinheiro num filme tão obsceno e controverso.

*Na primeira vez que vi o filme, dei um 80. Minha vontade de rever o final foi tão enorme que eu decidi voltar ao cinema no dia seguinte, e baixei um pouco a nota. Mas o filme continua maravilhoso; as únicas falhas reais são o Dustin Hoffman escalado num papel completamente errado pra ele, e o ritmo arrastado de porções do segundo ato (que pesam bastante se você viu o filme à menos de 24 horas). De qualquer forma, assistam.

Déja Vel. Babu.

2007-01-25T08:05:00.000-02:00

Babel (Alejandro González Iñarritu, 2006)
(48)
(cinema)

*Tirando a subtrama da garota surda-muda japonesa, nenhuma das outras possui qualquer forma de drama de verdade (i.e. psicológico, conflitante). São simplesmente histórias onde você segue alguns personagens até um ponto onde algo bem estúpido e forçado acontece, e depois vê como os personagens lidam com isso. Mas senhor Guillermo Arriaga (o roteirista), qualquer otário pode escrever isso! Pegue o segmento situado em Marrocos (pra eu não ter que estragar nada, já que o que acontece neste segmento aparece no trailer): o pai de dois garotos compra um rifle, e o entrega para que os meninos o usem pra caçar lebres (ou alguma merda assim). Eles começam a brincar de dar tiros em pedras, e eventualmente, um dos dois pentelhos decide disparar um tiro contra um carro. É claro, para acreditar que algum menino faria isso, é necessário uma grande quantidade de boa vontade, o que eu estava disposto a dar naquele ponto do filme. Ainda sim, a trama em Marrocos realmente acaba aí. O resto envolve a polícia chegando, os meninos contando pro pai o que aconteceu, e eles fugindo (e no final algo ruim acontece). Não há conflito, não há detalhes, e nem chega a envolver diretamente o tema unificante do filme, que é sobre como a dificuldade em comunicação resulta em conflito (ainda mais num mundo cada vez mais globalizado/interconectado). Se este segmento virasse um curta, independente das outras sessões, a sua inutilidade ficaria ainda mais evidente, e a sua "mensagem" seria algo idiota como "não dê armas para seus filhos" ou "não brinque com armas atirando em carros".

*Semelhantemente, o segmento do Brad Pitt - também sem qualquer vestígio de Drama de verdade - pode ser resumido como "não leve um tiro no deserto, senão você vai se ferrar", e a subtrama da empregada que leva os filhos para o México pode ser resumida como "não tenha um primo maluco chamado Gael Garcia Bernal" (o incidente que leva ao conflito desse segmento é tão estúpido que precisa ser visto para ser acreditado).

*Já a subtrama da japonesa realmente possui interesse, e explora não acidentes forçados, mas comportamento humano básico. Envolve uma garota surda-muda que não consegue se conectar com as pessoas através de comunicação tradicional (tema!), então começa a usar sua sexualidade (impulsionada pela puberdade) como uma forma substituta de comunicação. Ela começa a lamber o rosto do dentista dela, mostrar a vagina para jovens que esnobam ela, etc. São ótimas cenas, e somadas ainda à experiência dela numa boate - com o Iñarritu habilmente cortando entre o ponto de vista dela (silêncio) e o da boate (música alta) - formam pelo menos um segmento que tem detalhes e interesse o suficiente para se tornar um curta independente do resto. E a Rinko Kikuchi é talentosa, além de ser sexy.

*Mas se eu estou predominantemente esculachando o filme, porque a nota tão alta? Francamente, nem sei mais. Quando eu saí do cinema, estava por volta de 54, mas foi caindo ao longo do dia, e hoje um 48 parecia bem mais sensato. Eu devo admitir que enquanto estava na minha frente, o filme fez efeito o suficiente para me manter pelo menos parcialmente interessado nos acontecimentos (apesar das idiotices). O Iñarritu tem algum talento como diretor - veja a previamente citada cena da boate, ou a montagem da festa de casamento mexicana - e ele se cerca de rapazes talentosos: Rodrigo Pietro (de A Última Noite) na fotografia, e Gustavo Santaolalla (de O Segredo de Brokeback Mountain) compondo a trilha, ambos fazendo muito bom trabalho. E embora seja uma técnica barata e descartável, cortar entre várias subtramas diferentes ainda consegue criar uma certa tensão e interesse (quando seguir uma só delas geralmente acabaria em tédio) - e é por isso que tal técnica está cada vez mais popular (e.g. o horroroso Crash). O problema é Guillermo Arriaga, que consegue escrever diálogos clichês e idéias mal-passadas em 4 línguas diferentes (veja só!). Eu ouvi falar que ele e Iñarritu tiveram algum tipo de desentendimento, e vão parar de trabalhar juntos. Acho que pode se apontar para uma nova esperança em Iñarritu como um cineasta competente; basta ele não achar alguém ainda mais idiota para substituir Arriaga.

Déja Vu (Tony Scott, 2006)
(63)
(cinema)

*Eu não tenho muita paciência para os delírios estilísticos ultra-exagerados que o Tony Scott anda utilizando recentemente (desde que ele "dominou sua técnica"), e prefiro seu trabalho competente e mais "sutil" em algo como Dias de Trovão (sim, é bom). Mas quando ele tem um roteiro decente nas mão, ele até que não atrapalha muito. E o roteiro deste filme - apesar de usar uma "lógica" de viagens no tempo que na verdade é totalmente ilógica (resumindo, basicamente nada no filme faz sentido) - é bom, gerando suspense e ação da premissa furada, e mantendo um rítmo forte e uma apreciável falta de estupidez e clichês (só de pensar que Deja Vu tem menos clichês que um filme indicado ao Oscar...); i.e. é digno de Larry Cohen. Terry Rossio, um dos roteiristas, tem um certo talento de sempre dar um leve toque de frescor pra grande parte das situações batidas - e eu sei que é intencional porque já li suas boas colunas sobre criação de roteiro. E o que Rossio e seu co-escritor Bill Marsilii conseguiram alcançar com a cena de perseguição de carros em duas linhas de tempo - excitante, original, digna de aplausos, etc - é o tipo de coisa que perdoa muitos furos e erros.

PS: Filhos da Esperança aparentemente não entrou em cartaz, foi só um erro do Cineclick.

PPS: Eu provavelmente vou escrever algum tipo de top 10 dos melhores filmes que estrearam comercialmente no Brasil em 2006, em breve.

O Grande Golpe: Woody, Barry, Johnny & June

2007-01-24T09:46:00.000-02:00

EU ODEIO FIREFOX E EU ODEIO DEUS
EU ODEIO FIREFOX E EU ODEIO DEUS
EU ODEIO FIREFOX E EU ODEIO DEUS

Eu escrevi a porra do post inteiro e o Firefox travou e fechou e todo o texto desapareceu (mas o título, surpeendentemente, ficou!). Puta que pariu, viu.

Aqui vai uma versão breve, impaciente e inferior:

Toy Story 2 (John Lasseter, 1999)
(81)
(DVD; segunda vez)

*O mais impressionante dessa animação implacavelmente divertida é que nela é incorporada um dos dilemas filosóficos mais profundos que eu me lembro ter visto em um filme. Woody precisa escolher entre a efemeridade junto aos seus amigos/família ou a eternidade estéril – viver trancado em uma caixa de vidro, para ser apreciado de longe – e tal dilema é realmente conflitante, não só porque Lasseter consegue montar um argumento forte para a segunda opção, mas também porque outros brinquedos (a Jessie, o Prospector, e o cavalinho) dependem da decisão. O amor e momentos genuínos de felicidade compensam viver temendo ser rasgado e/ou abandonado (como acontece com Jessie, no maravilhoso flashback [excluindo a canção])? Ou será que o medo de Woody é tão aleijante que permanecer eternamente preservado e seguro parece uma opção melhor? Etc.

*Mas puta que pariu, esse Firefox, viu. Puta. Que. Pariu.

*A segunda linha da narrativa – envolvendo Buzz Lightyear & Cia. numa tentativa de resgatar Woody das mãos de “Newman Animado” – é hilária e extremamente engenhosa. Como o Theo disse em sua crítica, parece o trabalho de viciados em quebra-cabeças/charadas, criando situações e obstáculos malucos para eles terem que superar. E ainda há a já aclamada, semi-clássica cena onde Buzz encontra uma nova versão sua numa loja de brinquedos – e mais crucialmente, uma versão que ainda não superou sua auto-ilusão, como Buzz fez no filme original. A situação não é só comicamente explorada, mas psicologicamente também; quando o Buzz finalmente admite a vergonha e diz “Tell me I wasn’t this deluded”, você percebe que está vendo algo realmente especial.

*O final do primeiro é levemente melhor, mas que se foda (e que se foda o Firefox). Ambos são espetaculares – e vão continuar melhorando com o tempo, eu suspeito.

Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)
(71)
(DVD; segunda vez)

*O filme é impressionante, mas ele lhe mantém a uma certa distância; Kubrick raramente abre espaço para uma conexão realmente forte. Só nos 40 minutos finais (de 3 horas de duração) é que a obra realmente “engata a terceira” (me perdoem a metáfora), com o crescimento de Lorde Bullingdom, se tornando um homem arrogante, frustrado, beligerante e extremamente compulsório para a platéia (excelente trabalho de Leon Vitali). O grande duelo final só é a única cena realmente eletrizante do filme pois posiciona a nossa relutante empatia por Bullingdom contra a nossa relutante simpatia por Barry Lyndon, que foi acumulada durante o filme.

*Assim como em O Iluminado, o drama do filme de vez em quando desliza para sátira/comédia (provavelmente intencional). Não há como segurar a risada quando a “pobre mãe” de Barry, depois de se acostumar com a vida de nobreza, começa a armar esquemas contra a esposa rica dele para manterem sua parte do ouro. Infelizmente, o filme não vai nem para um lado nem para o outro com muita freqüência.

*Kubrick e o seu fotógrafo John Alcott utilizam lentes especiais para remover a profundidade dos planos, e o efeito é espetacular – como (sim) uma pintura do século 18. Sem falar nas cenas à luz de velas.

O Grande Golpe (Stanley Kubrick, 1956)
(72)
(DVD; segunda vez)

*Eu já não tinha muito pra falar na primeira vez que escrevi, e não estou com paciência pra repetir (a bosta do Firefox...). O filme é forte, frio e empolgante, e com um final maravilhosamente cínico (“Eh, what’s the difference?”). Sterling Hayden e Marie Windsor arrasam. Qualquer dúvida, perguntem na seção de comentários abaixo.

*Sim, eu estou revendo vários filmes.

Johnny & June (James Mangold, 2005)
(52)
(DVD)

*Comicamente similar à Ray, do ano anterior. Não, não, saca só: Johnny nasce numa fazenda no campo (como Ray), é traumatizado pela morte de seu irmão (como Ray), decide seguir uma carreira arriscada de músico (como, sim, o velho Ray), alcança tremendo sucesso (como quem? Sim, Ray), começa a usar drogas e ter problemas matrimoniais (“Hit the road, Jack”), o vício nas drogas o leva à cadeia e ao fundo do poço (“And don’t you come back no more”), mas ele dá a volta por cima (“No more, no more, no more”). A diferença crucial, é claro, é que a história de Cash é enquadrada pelo seu amor cada vez mais desesperado por June Carter. Isso diminui um pouco a sensação de que estamos assistindo uma reconstituição obscenamente bem produzida de algum documentário do A&E Mundo sobre Cash.

*Reese Witherspoon está incrível; ela sozinha justifica a existência deste filme. Joaquin Phoenix está compentente.

*O filme comete um erro grave (ou “pisada grave”, a gíria preferida atual de meus amigos) com a esposa de Cash. Não há sequer uma cena no filme onde ela é apresentada como alguém que não seja extremamente infeliz, irritante e beligerante. Onde está o drama se Cash se casou com a Pessoa Mais Enjoada do Universo dos Biofilmes? Corra, Johnny, corra.

*Mas a Reese Witherspoon está incrível (ao contrário do Firefox).

PS: Deja Vu e Filhos da Esperança estrearam nos cinemas de Goiânia, e provavelmente vou ver ambos hoje. Esperem comentários em breve (de filmes com os quais as pessoas ainda se importam[!]).

PPS: O Babal também é uma possibilidade, embora a minha expectativa esteja situada em algum lugar no Oceano Índico.

Jogo da Dama; Vidas Ocultas

2007-01-19T08:32:00.000-02:00

Vidas em Jogo (David Fincher, 1997)
(79)
(DVD; terceira vez)

*Possivelmente o melhor filme da praticamente impecável carreira de Fincher. O controle dele na direção é impressionante; cada plano parece meticulosamente selecionado e composto - até durante cenas de ação com cortes rápidos - e ele ainda consegue firmar um ritmo e um tom pela duração toda, sem tropeçar. Histórias do set são de que o Fincher é um perfeccionista disposto a refazer um plano várias vezes e se irritar com qualquer pessoa que não está dando o melhor de si - evidentemente. Ele sempre alcança o seu visual Fincheresco - escuro, meio arenoso, sombrio, frio - usando diretores de fotografia diferentes em cada projeto (nesse caso, o já consagrado Harris Savides), e conseguiu uma atuação maravilhosa do Michael Douglas - embora esse já esteja acostumado a interpretar canalhas arrogantes.

*Há algo nesse filme me atrai imensamente, e eu suspeito que seja o conceito da "Realidade se desmontando": a crescente sensação de que as coisas não são como parecem ser, a idéia do mundo à sua volta caindo aos pedaços, e paranóia que acompanha essa sensação - aparentemente eu sou suscetível à isso. Primer, Todos os Homens do Presidentes, Safe, etc: todos esses criam tal atmosfera com mestria e todos esses estão entre meus favoritos. Alguns dos momentos mais excitantes em Vidas envolvem o protagonista descobrindo o que é ou não parte do jogo, e.g. quando ele puxa os livros da estante do apartamento de alguém e percebe que são feitos de plástico, e que a geladeira está misteriosamente vazia.

*A história toda pode ser vista como uma metáfora para o poder terapêutico da Arte (vagos spoilers a seguir): Nicholas Van Orton permaneceu sua vida toda traumatizado com o fato de ter presenciado o suicídio de seu pai; o fato de que seu aniversário de 48 anos está chegando (a idade que seu pai morreu) só agrava tal fato. Ele está deprimido, e criou uma barreira de cinicismo impenetrável, deixando todos à uma certa distância confortável dele. De repente ele entra no "Jogo" (i.e. Cinema/Arte, etc), e aos poucos vai se deixando entrar em um novo mundo, aprendendo suas regras, tentando desvendar a sua trama. Tal "Jogo" tanto expôe o quanto ele esteve trancado em si mesmo por tantos anos quanto faz ele encarar o suicídio de seu pai frente a frente - eventualmente pulando do prédio como ele. Mas é falso; é uma armação, uma simulação. Nicholas sentiu tudo que seu trauma o privou, mas não precisou passar pelos efeitos perigosos de encarar o trauma de frente. Era tudo um presente do seu irmão/CRS (i.e. o Diretor/Artista) que teve o prazer de levá-lo em uma jornada e fazê-lo encarar seus problemas de frente. No final, é claro, Nicholas chora, e eu também. Nós somos a platéia e estamos gratos pela jornada.

A Dama Oculta (Alfred Hitchcock, 1938)
(80)
(AVI; no computador)

*Quem diria? Vi pela recomendação do Sr. Theo que disse ser o seu favorito do Hitch, e não me decepcionei. É um dos seus melhores, sem dúvida. Coincidentemente, esta história também envolve o conceito que eu expliquei nos meus comentários acima, o da "Realidade se desmontando" - e novamente uma nota alta; não pode ser coincidência, pode? - e o Hitch tira de letra.

*Mas mais impressionante ainda é como Hitch lida com as mudanças de tom, pulando de comédia screwball para suspense psicológico para drama de guerra sem perder o fôlego ou desinflar a força acumulativa do filme. É um toque de mestre deixar o primeiro ato inteiro num pequeno hotel, mostrando as confusões divertidas entre os visitantes e turistas lá hospedados, e assim introduzindo todos os personagens da trama; lá pela hora que você chega no trem (depois de uns 20-25 minutos), suas expectativas criadas para uma comédia screwball são subvertidas quando um acontecimento misterioso joga tudo de cabeça pra baixo. Hoje em dia, teriam pego a mesma história, eliminado todas as cenas no hotel, e brevemente introduzido os personagens já situados no trem, para chegar no gancho da trama o mais rápido possível. É por isso que mostram Hitchcock em cursos de cinema: para tentar combater os métodos e formulas de Hollywood que são vistos como regras necessárias.

*O que mantém o filme hilário mesmo depois que o suspense tomou conta da trama são dois personagens coadjuvantes - Charters & Caldicott - também hospedes do hotel e passageiros do trem, que fornecem comentários comicamente cínicos sobre os eventos da trama e sobre partidas de cricket. Naunton Wayne em particular (que interpreta Caldicott) tem um talento especial - um jeito natural, desengonçado e insolente de soltar/cuspir suas falas - que me fazia gargalhar ao ouvir qualquer uma de suas falas, até as não-intencionalmente engraçadas.

*O terceiro ato não mantém a energia dos dois primeiros, mas é redimido por um final maravilhoso.

*O filme provavelmente tem algum tipo de subtexto falando sobre o prejuízo do egocentrismo em tempo de guerra, a relutância em se envolver, etc, mas eu não prestei atenção o suficiente para fazer uma leitura decente ainda; estava muito entretido com a história em si. Vou tentar decifrar algo numa futura segunda assistida.

Sangue de Irma Vep: Diamante

2007-01-14T08:48:00.000-02:00

Irma Vep (Olivier Assayas, 1996)
(76)
(AVI, no computador)

*O Assayas não perde uma oportunidade, aquele malandro. A sua protagonista (Maggie Cheung) é uma das mulheres mais atraentes e charmosas do mundo (que também, por acaso, era sua esposa na época), e suas duas coadjuvante principais (Nathalie Richard; Nathalie Boutefeu) são praticamente o equivalente. E embora isso possa parecer irrelevante, o fato delas serem atraentes realmente ajuda o filme. Porque não é sobre a progressão da trama, é sobre a vida de momento a momento. A história é sobre o remake atual de um antigo seriado francês do Feudaille chamado Les Vampires, cujo diretor (Jean-Pierre Leaud, apropriadamente semi-psicótico) decide chamar uma atriz chinesa desconhecida para o papel principal. As filmagens do remake são problemáticas e frustrantes, mas Assayas filma de um jeito que faz tudo parecer uma festa, particularmente uma da qual você não tem o menor interesse de sair.

*A subtrama envolvendo uma das beldades já mencionadas - sobre uma figurinista lésbica que acaba tendo uma queda enorme pela Maggie (e quem pode culpá-la?) - é tocante, simplesmente porque Nathalie Richard rouba o show com a melhor atuação do filme, e sua frustração com a aparente impossibilidade do relacionamento é filtrada pelo seu enorme carisma. A cena que ela tenta convencer a Maggie a entrar numa boate com ela é de partir o coração. Vocês tem que ver...

*O filme é cheio de pequenos momentos maravilhosos - como quando Nathalie Richard (lá vem ela de novo) coloca a máscara da protagonista de Les Vampires e solta fumaça de cigarro pelos buracos dos olhos - mas não faz sentido eu descrevê-los. Procurem assistir esse. Eu já imagino que vá subir a nota com mais algumas assistidas. E toca "Bonnie & Clyde" do Serge Gainsburg nele. Sério, não tem erro.

Diamante de Sangue (Edward Zwick, 2006)
(52)
(Cinema)

*Esse filme é cheio de problemas, mas suas cenas de ação são indiscutivelmente fortes. A mise-en-scene do Zwick é meio morta durante cenas de diálogo e progressão da trama, mas quando homens empolgados segurando metralhadoras e lança-mísseis surgem na tela, ao som de hip-hop num volume moderadamente baixo, ele de repente vira Spielberg Light e injeta adrenalina e energia nos eventos. A técnica é a mesma de sempre: camera na mão, montagem rápida e caótica, relances de carnagem e sangue, gritaria e correria, etc. Mas funciona. Particularmente uma disputa entre o grupo rebelde F.U.R. e o exército da ONU no meio de uma cidade (onde, por acaso, DiCaprio e Hounsou estão posicionados), e uma perseguição dos personagens principais num jipe de jornalistas pelo mesmo grupo rebelde, lá para o meio do segundo ato.

*Jennifer Connelly tem o papel desagradável da esteriotípica jornalista virtuosa, mas ela está muito mais solta e relaxada do que nos últimos papéis que eu a vi, e ela consegue fazer o personagem não parecer tão irritante quanto deveria ter sido. E não atrapalha que Connelly é tão bonita que ela quase pode ser classificada como uma aberração da natureza (ela parece estar melhorando com o tempo). Leo DiCaprio luta com um sotaque africano e a briga termina em um empate, mas ele está competentemente astuto e malicioso; Djimon Hounsou parece excessivo, mas eu não tenho certeza que isso é má direção ou simplesmente minha falta de costume com a forma que africanos se expressam. Eu suspeito o primeiro.

*Qual é o valor desse filme? É uma história seguindo uma fórmula batida que, embora ocasionalmente excitante, permanece convencional e previsível. E é parcialmente maniqueísta, com o F.U.R. previamente mencionado (Frente Unida Revolucionária) apresentado como vilões estúpidos cujo chefe tem uma agourenta cicatriz no olho e transforma crianças em máquinas de matar - não que tudo isso não possa ser verdade, mas seria de valor muito maior tentar apresentar argumentos para a existência desse grupo, porque eles querem existir (além de lavagens cerebrais) e se o papel deles é totalmente não-justificado. Mas o filme até que serve seu papel de conscientizar a população sobre os conflitos em Sierra Leone pelo tráfico de diamantes, e provavelmente vai convencer alguns Joãos e Marias a perguntarem se o anel de noivado que estão comprando é "livre de conflito" (aqui no Brasil, o atendente provavelmente vai achar que você tá falando de alguma alergia cutânea).

*Envolvente, mas didático. Ocasionalmente bobo, mas ocasionalmente excitante. Útil, mas superficial. Vale a pena? Você decide.

Último Nunca. Agora ou à Noite.

2007-01-12T23:13:00.000-02:00

A Última Noite (Spike Lee, 2002)
(83)
(quarta vez; segunda em DVD)

*O Spike consegue usar sua ambientação de NY explicitamente pós-11/9 como uma analogia ao drama dos personagens (ou vice-versa) sem parecer insensível ou delicado demais. O filme é sobre como o protagonista, Monty (Edward Norton), lida com as consequências trágicas que os seus erros (ser um traficante) trouxeram, e sobre como o seu arrependimento chegou tarde demais. Agora ele vai ter que assumir a responsabilidade e passar 7 anos na cadeia, simplesmente porque não conseguiu resistir à atração que seus erros apresentavam. Claramente, essa trajetória é semelhante à dos EUA, em relação à sua política externa: fizeram merda, a ignoraram, e foram subitamente acordados pelo ataque às torres gêmeas; agora perderam as suas liberdades, e é possível que nunca mais venham a ser os mesmos de antes. O mais crucial de tudo, aponta o filme, é que ainda há um grau de imaturidade em suas atitudes (tanto a de Monty quanto a do governo americano): eles se arrependem por terem sido pegos ("eu devia ter parado, colocado o dinheiro em ações, deixado crescer, mas eu fui ganancioso"), não por terem feito algo errado.

*Similarmente, todas os outros personagens do filme também são definidos pelas suas relutâncias em assumirem responsabilidades quando deviam: eles - Frank (Barry Peper, na melhor atuação - de várias - do filme) como o amigo, Naturelle (Rosario Dawson) como a namorada, e James (Brian Cox) como o papai - se odeiam e se culpam por não terem interferido na vida de Monty e tentado convencê-lo a largar o mau caminho de ser um traficante. Tanto Naturelle quanto James se beneficiaram dos lucros que Monty conseguia vendendo drogas - a primeira a vida de luxo que o namorado a proporcionava, o segundo as dívidas do seu bar pagas pelo filho. E há uma cena explícita (embora elegante e forte) onde Frank fala sobre como Monty está terminado, nunca mais será o mesmo, e devia ter se dado conta de seus erros antes de ter sido pego - tudo isso filmado perto de uma janela com vista para o Ground Zero (ex-local do World Trade Center); não há como negar as intenções de Lee. Até mesmo a (fenomenal, sensual) subtrama do amigo de Monty/professor Jacob (Philip Seymour Hoffman) e sua aluna Mary (a deliciosa Anna Paquin) corresponde ao tema: ele é tido como "o homem mais honesto da turma", mas não consegue resistir a tentação da sua atraente aluna, e se arrepende logo depois (quando é quase tarde demais).

*Aliás, eu preciso comentar sobre essa cena: Mary, chapada, entra no lounge em cima do People Mover (aquele dispositivo do Spike que faz parecer que os personagens estão flutuando), ao som daquela música fabulosa do Cymande, flerta e tenta seduzir Jacob, que desajeitadamente a afasta ("I give a shit! I give a shit!") - e ao mesmo tempo, hipnotizado pela tatuagem na barriga dela. Mary vai até o banheiro no momento em que a música do Cymande entra naquele breakdown; a camera a acompanha, e depois volta até Jacob, que está paralisado, com um olhar semi-desesperado de desejo. Ele sobe, se fecha no banheiro com ela, (desajeitadamente) beija ela, e retrai logo em seguida; quando ele sai do banheiro, a trilha explode, e Spike corta novamente pro People Mover, agora com Jacob e seu olhar hilário que parece uma mistura bizarra de frustração, arrependimento e tesão. A cena toda é filmada, escrita, atuada e montada com mestria. Há uma eletricidade no ar - na sequência do clube toda, mas culminando nessa cena - que é impossível resistir. Muito foda.

*Francamente, nenhuma grande reclamação - além de uns mínimos problemas estruturais com flashbacks levemente atrapalhando o ritmo da primeira hora, e algum abuso da (excelente) trilha de Terence Blanchard. Em geral, é um filme espetacular, com uma direção expressiva e cativante de Lee (lembrando um pouco Assayas). Sem falar a fotografia do Pietro, o roteiro do Benioff, o final muito emocionante, etc, etc.

Agora ou Nunca (Mike Leigh, 2002)
(61)
(DVD)

*Não tenho muito a dizer. É bom, tipicamente Leigh, lidando com a classe trabalhadora, "melodrama" do dia à dia, bla bla bla, etc. Situações convencionais e clichês injetadas com percepção humana aguçada, ambiente miserável variando entre o fascinante e o grotesco, etc. Beligerância é ruim, etc. Não é rico/expansivo em suas emoções/idéias para chegar em algum lugar realmente excitante, e tal. Mas definitivamente vale a pena. Obrigado, Leigh.

PS: Amanhã (ou depois) eu falo sobre Irma Vep, do Olivier Assayas. Que é foda. Talvez eu fale também do disco novo do Bloc Party. Que não é foda.

Whoop that trick! (Get it)

2007-01-09T09:14:00.000-02:00

Ritmo de um Sonho (Craig Brewer, 2005)
(70)
(DVD)

*O filme segue a mesma fórmula inspirativa de Rocky, onde um cara na periferia da sociedade e da vida se esforça pelo o seu sonho e o alcança. E eu realmente digo fórmula; o roteiro passa por todos os checkpoints necessários: três atos; personagens apropriadamente desenvolvidos (até os laterais); ritmo fixo e constante; cena onde ele fala sobre seguir seu sonho; cena onde ele se preparar para concluir seu sonho; cena onde ele tem que lidar com seu sonho atrapalhando a sua vida de alguma forma; etc, etc. É bastante esquemático. Mas o que torna Ritmo fantástico é a pura convicção com que ele encara esses clichês, e os torna vivos e energéticos. E não atrapalha nada que essa versão da história envolve um cafetão que se cansa do seu emprego e começa a lutar para virar uma estrela de hip-hop; por mais risível que seja, a premissa traz um frescor de inovação vindo do antigo gênero de blaxploitation, dos anos 70. Ao invés de trabalhar numa fábrica de panelas - ou seja lá o que for que o Eminem fazia em 8 Mile - o nosso protagonista alcovita as suas prostitutas durante dias quentes, enquanto suor escorre pelo seu corpo todo, e derrama no assento do seu velho Chevy.

*Aliás, esse é um dos aspectos mais interessantes do filme: ele claramente pretende agradar a platéia de qualquer forma possível (é feel-good), mas há cenas intensas na sua história, onde DJay (o protag.) tem que agir como um cafetão, controlar "suas mulheres", colocar elas "no lugar", se é que você me entende. Isso obviamente é repulsivo, e algumas pessoas chamaram de hipocrisia querer fazer um melodrama inspirativo sobre um personagem imoral; no entanto, acredito que tais cenas sirvam para semi-subverter o gênero. Nós não podemos colocar nossa confiança inteiramente em DJay, pois nós vemos o que ele pode fazer. Ele não é como a gente (e por "a gente", eu digo a grande parte da população que não se aventurou ainda no ofício de Cafetação). E quando é pedido para torcer por sua vitória, temos que lidar com sentimentos conflitantes, o que eu acredito que foi intencional da parte do senhor Brewer (que também escreveu o filme).

*Terrence Howard, o rapaz que interpreta o protagonista DJay, é incrível. Usando aquele termo preferido de críticos, ele é uma "força da natureza". Controlado e intenso, habitando seu personagem sem restrições, com suas gírias da periferia e o sotaque do sul se misturando deliciosamente, ele lembra um Benicio del Toro mais jovem. E uma bela voz de hip-hop ainda por cima (embora eu suspeite que tenha sido manipulada, double-tracked, etc). O resto dos atores também é perfeitamente escolhido. Taryn Manning, em particular, que interpreta uma das garotas de DJay chamada Nola, é memorável: seu rosto, o cabelo loiro trançado, sua reticência, etc. Ela é como a Rollergirl de Boogie Nights, só que bem menos extrovertida. E ela tem uma das melhores tarefas no filme: a ritualista e quase icônica ação de desligar o ventilador quando vão começar a gravar.

*O que me lembra: as cenas de gravação são eletrizantes (como personagens tocando música em filmes costuma ser). Não só a importância e os riscos das aspirações musicais do protagonista já foram bem (e convencionalmente) definidos no primeiro ato - o que dá uma carga extra para as gravações - o filme também se preocupa em mostrar o processo de criação de músicas, particularmente os ganchos. O primeiro acontece quando Shelby - o hilário DJ Squalls, usando todo o seu white-boy-(magrelo)-funk - brinca por alguns segundos no teclado até achar uma melodia apropriadamente ameaçadora, e o Key (Anthony Anderson) - o amigo de DJay que o ajuda nas gravações - sugere mudar a letra "Beat that Bitch" para "Whoop that trick" e transformá-la em um canto/mantra. Ainda há cenas tão espetaculares quanto essa - como a de Shug gravando o gancho de "It's Hard Out Here For a Pimp" e DJay usando suas habilidades de cafetão para lidar com o seu antigo amigo de colegial que virou rapper milionário - mas esse post já tá ficando muito longo e eles não me pagam o suficiente pra isso (i.e. "eles" não me pagam).

*O filme teria conseguido mais pontos se tivesse seguido seus aspectos de blaxploitation com mais força, e fugido um pouco do feel-good. Mas nada é perfeito. E PS: A trilha sonora é muito foda.

Como presentinho, aqui está uma das (excelentes) músicas que o protagonista cria no filme: "It's Hard Out Here For a Pimp".

Guerra das Damas. Água nos Mundos

2007-01-07T08:58:00.000-02:00

Pra esse lugar não morrer e a causa ser diagnosticada como Preguiça, eu vou tentar escrever alguns comentários jogados e inúteis sobre todos os filmes que eu assistir (além dos ocasionais posts sobre macacos, Radiohead, a Vida, o que seja. Evolucionismo também, etc). Devidamente inspirado pela mudança atual no blog do homem que assistiu demais.

(evitando Spoilers)

A Dama na Água (M. Night Shyamalan, 2006)
(60)
(DVD)

*Se não fosse pela minha inexplicável disposição a ignorar as óbvias falhas de Shyamalan como escritor (e como ator), a minha nota provavelmente estaria uns 20 pontos a menos. Ele continuamente testa a paciência e inteligência do espectador, usando auto-consciência idiota, como a subtrama do crítico de cinema, para se desviar de ataques e ofensas contra o seu trabalho (e assim, gerando mais ataques e ofensas ainda; bom trabalho, Manoj), ou expondo o tamanho do seu ego - atuando no papel do escritor importante cujo trabalho só será compreendido daqui a 20 anos (quem será?!!) - sem aparentemente se preocupar com o nojo que isso pode causar em qualquer um que saiba que é ele. É ingênuo e imaturo, mas... mais importante ainda, é inofensivo. E ele coloca tanta confiança em tudo que faz (até nas cagadas) que seu filme permanece bem assistível.

*É claro, no centro da bagunça toda está o maravilhoso Paul Giamatti. Ele basicamente salva o filme, mantém o tom equilibrado (tornando as cenas de "suspense" simultaneamente tensas e cômicas, como é apropriado), e é única atuação excelente da obra toda (a Bryce Dallas Howard está competente, mas o papel dela não requer muito [mas eu apoio a decisão do Manoj de deixar ela semi-nua por 90% do filme; bom trabalho, Manoj]).

*Tematicamente, é como se o Shyamalan tivesse achado que ninguém entendeu A Vila, e tomado a decisão de deixar tudo menos sútil e mais esfregado ainda pro seu próximo trabalho. A sereia lá chama História. A porra da sereia chama História. História. Ele ainda usa um prólogo com desenhos pseudo-pré-históricos explicando detalhadamente o subtexto da trama: as sereias (na verdade, "narfs") são como Musas que servem para inspirar os artistas a guiarem a humanidade pelo caminho correto, e fazê-los crer no "impossível" com suas imaginações; mas aí, aparentemente, os homens pararam de ouvir (aka, pararam de "imaginar"/acreditar), e começaram a fazer guerras [o que não faz muito sentido, mas ok], e agora elas tem que se esforçar para voltarem a inspirar os artistas. A "narf" que veio inspirar o Shyamalan para escrever esse filme devia estar defeituosa, ou então era meio retardada. Ele devia ter ligado pro mundo mágico das "narfs" e pedido pra trocar por outra (uma asiática, talvez), ou pelo menos uma devolução do dinheiro.

*Eu acabei de perceber que esse filme pode ser uma metáfora para aquelas coisas de "noivas de encomenda", onde você paga pela internet com cartão de crédito, e a máfia russa te envia uma mulher por encomenda pra você trepar/casar e voltar a se sentir confiante sobre sua masculinidade. Não, eu esqueci: sexo não existe no mundo mágico de Manoj.

*Mas o filme ainda é bastante divertido, de um jeito sessão da tarde dos anos 80, com um "universo próprio", personagens estranhos e peculiares se envolvendo com elementos de fantasia (tipo De Volta Para o Futuro, só que pior e mais pretensioso; ou como Mestres do Universo (aquele filme do He-Man), só que melhor e mais pretensioso). A narrativa não está tão controlada e rígida quanto nos filmes anteriores do diretor, nem a direção - com o diretor de fotografia Chris Doyle amaciando o Night, fazendo um trabalho sútil, usando planos desfocados e cores pastéis, suaves, bem diferente do que ele fazia com o Wong Kar-Wai. E o filme tem mais humor ainda (intencional ou não) do que Sinais. E veja que legal as formas que o Shyamalan explora e ecoa o próprio ato de contar histórias, primeiro com a vovó Koreana tendo que ser traduzida pela filha, e depois a irmã do escritor no banheiro, tendo que interpretar as respostas da narf para o Paul Giamatti. Etc. É um trabalho estranho, curioso, e possivelmente transicional. Eu não faço idéia de onde o nosso querido indiano possa seguir, mas estarei esperando.

Guerra dos Mundos (Steven Spielberg, 2005)
(77)
(terceira vez; primeira em DVD)

*A Dakota Fanning nunca deixa de me impressionar. É como se tivessem feito a remoção do cérebro de uma atriz inteligente de 34 anos de idade e o colocado na cabeça de uma garotinha indefesa, sem deixar cicatrizes. Ela parece saber instintivamente como extrair naturalismo das falas mais banais (principalmente das mais banais, talvez). Veja o jeito que Dakota interage com Cruise no começo, quando ele pede pra ver a farpa que entrou no dedo dela, e ela fica simultaneamente tentando mostrar o ferimento e evitar o toque da mão dele. Ou quando Cruise pergunta desde quando ela tem alergia à manteiga de amendoim, e ela diz "Desde o nascimento" com uma frieza e cinicismo hilariamente calculado.

*A trilha do John Williams durante o primeiro ataque alienígena (lá em New Jersey) é excelente, usando um tema repetitivo, grave e discreto, mas que parece ser o equivalente marciano à famosa trilha de Tubarão (ou algo como um motor de um trator tentando pegar). Mas aparentemente, essa é a única vez que ele usa tal tema no filme. Grande parte do resto é decepcionante, convencionalmente melodioso e staccato. Eu acredito que o filme teria ficado mais forte sem trilha alguma pela maior parte do tempo, usando apenas o tema inicial durante as aparições dos tripods.

*A dicotomia de Individualismo X Altruísmo permanece um pouco subdesenvolvida, mas ainda efetiva. Ainda é difícil acreditar que o momento perturbador climático que ocorre no porão de Ogilvy (sim, aquela cena) está presente num filme pipocão de Hollywood; suas implicações podem ser de pouco interesse pra grande parte da platéia, mas vê-las nesse contexto "inocente" as dão um impacto maior ainda do que vê-las num filme de arte, sem aspirações óbvias de entretenimento. Digo o mesmo pra cena - igualmente perturbadora, e talvez minha favorita do filme - da multidão tentando roubar o carro do Ray & Cia. (e o resultado horrível). Pra contrabalancear, o Koepp (o roteirista) e Spielberg inserem momentos (merecidos) do povão se ajudando - a coletora de sangue avisando que já recebeu mais do que precisa; Robbie ajudando as pessoas a subir na barca; um grupo puxando o Cruise durante a cena da "Sabotagem Anal" (sim, aquela cena), etc - e todos levemente emocionantes.

*O filme definitivamente perde parte do impacto na telinha (duh). Por mais absurdamente foda que a cena do ataque inicial seja, ver aqueles carros voando e caindo quase em tamanho real no cinema dá o empurrãozinho de "eu talvez venha a mijar nas calças" para "eu mijei nas calças".

SPIFF: Spiffado

2006-11-01T18:31:00.000-03:00

(Acredito que não haja nenhum spoiler no texto todo)

Música-Chave da Viagem de Ida: "Solo Dancer", de Charles Mingus, do disco The Black Saint and the Sinner Lady que começou a tocar alguns segundos depois que o ônibus saiu da rodoviária. É uma das composições mais emocionantes de jazz que já ouvi, e transformar ela em uma trilha sonora enquanto observava Goiânia à noite à caminho da estrada foi uma ótima idéia.

Primeira Impressão do Hotel: Agradável, e com uma bela vista para a Consolação (que por si só, não é interessante). Seleção de canais estranha, e não tem Sony.

Quinta

Os Infiltrados (73):
Por mais divertido que seja, o filme dá a idéia do Scorsese apertando o botão do piloto automático e se reclinando na poltrona pra tomar alguns drinks; até O Aviador pareceu feito com mais vigor (e por isso eu o prefiro). Marty engata a história num ritmo fixo e mecânico, como um relógio bem projetado que não atrasa nunca, e por isso mantém um tom consistentemente tenso, mas poucas vezes – como na cena engenhosa envolvendo o chefe de polícia (Martin Sheen), a máfia irlandesa e a polícia num prédio abandonado – os acontecimentos se tornam realmente elétricos. Há a tentativa de criar uma estrutura temática envolvendo perda e/ou corrupção de Identidade, mas ela acabava virando uma bengala pra gerar motivação “psicológica” na narrativa, e só. O verdadeiro show em Os Infiltrados talvez sejam as atuações; não só Matt Damon e Leo DiCaprio estão extremamente competentes, e Nicholson carismático, mas cenas são constantemente roubadas por atores coadjuvantes, e quando eu digo isso, eu estou falando dos grandes Mark “Are you calling us cunts?” Whalberg e Alec “Marriage is an important part of getting ahead. It lets people know you're not a homo” Baldwin, que cospem as falas hilárias de William Monahan com convicção e timing cômico perfeito. Pelo menos 2 ou 3 desses pontos são pelo magnífico penteado que Whalberg ostentou.

Eu Não Quero Dormir Sozinho (n/a):
Mais hein. Eu não consegui dormir durante a viagem de ônibus, então o meu Corpo decidiu que o melhor momento pra repor esse sono seria durante o Mais Novo Filme de Tsai Ming-Liang. Quem sou eu pra discordar?

PS: Sim, eu vou revê-lo, eventualmente.

Sexta

Verão de 2004 (67): Família liberal passa as férias numa casa de verão próxima a um lago e tem seus destinos mudados pela chegada de um estranho. Soa familiar? Sim, Violência Gratuita é o óbvio ponto de comparação, e embora seus caminhos se divirjam, a dinâmica da família e as interações vagas sempre sugerindo certa tensão sexual, ou simplesmente a idéia de que algo ruim pode acontecer a qualquer momento, lembram bastante o trabalho de Michael Haneke. Uma cena particularmente boa (e tensa) envolve a mãe responsável pela namorada do filho dirigindo a noite para procurá-la na casa do vizinho. Só que ele – o carismático e ingênuo Bill Ginger – não é um psicopata e o filme não é um thriller. Seu efeito na família é emocional, algo como em Teorema do Pasolini; sua presença inspira um sentimento de competição do pai (como se ele precisasse demarcar seu território), desejo sexual na esposa e Só-Deus-Sabe o que na Lívia, a previamente mencionada namorada do filho. O final parece irritar as pessoas, mas só for encarado literalmente, o que não faz sentido quando o filme faz tanto esforço pra deixar as motivações sutis e obscuras. Além disso tudo, meu maior prazer, eu confesso, foi observar Martina Gedeck interpretando Miriam, a mãe da família; ela é extremamente talentosa e hipnoticamente sexy, e estou me referindo de uma mulher já nos seus 45 anos de idade (mulheres mais “velhas” não costumam parecer muito atraentes pra mim. Sinto muito mulheres acima de 45 anos de idade leitoras deste blog).

A Scanner Darkly (74): Sendo um eterno admirador do livro, eu consigo imaginar algumas dúzias de maneiras em que a adaptação poderia melhorar – e 20 minutos a mais não ia doer em ninguém (passou até muito rápido) – mas filme qua filme, é um ótimo novo acréscimo à filmografia de Linklater. O humor “stoner” do livro harmoniza perfeitamente com os ritmos desleixados do diretor (e a versão ideal do filme seria algo como Jovens, Loucos e Rebeldes: 32 Anos Depois, com umas 3 horas de duração), e embora a Paranóia – o que faz Dick ser Dick – não seja algo com que o Linklater esteja acostumado, ele consegue traze-la para a tela com competência. Uma pena que faltou outro aspecto importante do livro: a Melancolia. Os acontecimentos na história são filtrados por uma tristeza e certa nostalgia (já que é baseado em experiências reais do Dick), mas o filme não toca nesse aspecto, e parece satisfeito em mantê-lo um semi-thriller psicológico. Uma cena devastadora no livro, de quebrar o coração e fazer você buscar o lencinho – quando Donna chama Arctor para a casa dela, ele tenta avançar e ela o rejeita – no filme mal deixa qualquer impressão. Quando a dedicatória de Dick aos seus amigos viciados aparece antes dos créditos, ela parece totalmente fora de tom com o resto da obra.

Outro grande problema: Keanu Reeves não consegue atuar. Sinto muito, Keanu, eu sei que você tenta, mas você não tem as ferramentas necessárias pra revelar a complexidade de Robert Arctor. Um personagem já é sofrimento pra você, imagina um que é dividido em dois (!). O casting dele vem da aparente tentativa de Linklater de colocar viciados de verdade interpretando papéis de viciados (todos os atores no filme têm relacionamentos com drogas), ou para usufruir das suas experiências ou então como uma meta-piada sem muito propósito. Mas não vão ouvir muitas reclamações de mim na questão de casting; Robert Downey Jr. é estupendo como o semi-psicótico Jim Barris, e Woody Harrelson parece ter nascido pra interpretar um viciado vagabundo de 30 e muitos anos de idade que usa o nome Ernie Luckman e veste roupas de surfista. Esse é o outro filme do festival que fala sobre Identidade e tem seus coadjuvantes roubando todas as cenas, e algumas delas, como a da Bicicleta de 8 e/ou 19 Marchas, vão virar Momentos Clássicos do cinema em não muito tempo. Agradeçam ao Dick.

A Ilha de Ferro (n/a): A sala desse filme aparentemente era ruim. Aparentemente.

Sábado

Investigação de Um Cidadão Acima de Qualquer Suspeita (80): Preciso revê-lo pra ter certeza que a nota alta é merecida, e não só espanto, mas até eu onde eu consigo enxergar com clareza, esse filme (de 1970, da retrospectiva italiana) é fantástico. A premissa brilhante envolve um chefe da policia italiana matando sua amante e colocando pistas para incriminar si próprio, e é desenvolvida não só como um suspense, mas também como uma comédia de humor negro, amargo e cortante. Mas a verdadeira questão da premissa, e que possivelmente responde o ponto do filme, é: por quê? Não estou totalmente certo. Pode ser uma tentativa narcisista do Inspetor da Polícia (interpretado por Gian Maria Volonté, numa atuação espetacular, exagerada, e ardente) de mostrar e/ou confirmar toda a sua autoridade, o colocando acima de qualquer julgamento, ou algum tipo de afirmação sobre o quanto podre os que estão no poder estão dispostos a ignorar para não negarem sua própria existência – afinal, isso alimentaria os revolucionários mostrados no filme --, ou então é algo mais pessoal, uma forma de autopunição do protagonista, como um castigo para uma “criança levada” (o que a sua amante chama ele) que precisa levar umas palmadas. O filme até deixa implícito que parte da busca e obsessão por poder de personalidades autoritárias pode vir de impotência sexual – uma piada barata, mas de qualquer forma engraçada.

A direção lustrosa e elegante de Elio Petri, com zooms e tracking shots, uma textura granulada e cores vibrante, lembram o trabalho de De Palma, e ela é complementada por uma trilha cômica e evocativa de Ennio Morricone, mas o show francamente é todo do roteiro. Ele pode ser acusado de ser esquemático ou descarado ou óbvio, mas ele joga mais idéias sobre Poder e Submissão na mesa do que a maioria dos filmes políticos que eu já vi, e flui num ritmo macio e constante (como em Os Infiltrados, só que com mais entusiasmo). E eu não consigo lembrar de muitas falas de diálogo que não possuam um tom de sarcasmo hilário por trás do seu propósito de avançar a trama, o que já é uma façanha impressionante; Petri e seu co-roteirista Ugo Pirro, espremem da premissa todo tipo de humor possível. Infelizmente, eu não posso ser mais informativo que isso, pois eu realmente preciso revê-lo.

Volver (51): Não tenho muito o que falar sobre o novo do Almodóvar. Eu adorei seus dois últimos (isso porque ainda não vi Tudo Sobre Minha Mãe) e seu novo trabalho é engraçado, sóbrio, inteligente, e continua mostrando a mestria do cineasta com uma narrativa na mão (pelo menos até o primeiro ato). O resultado infelizmente é basicamente uma novela mexicana sofisticada, o que não é exatamente algo que me faz rodopiar em excitação. Eu adorei em Má Educação a forma em que o Almodóvar combinava as narrativas do passado e futuro, costurando tudo com habilidade; nesse, ele se contenta e deixar o passado no Passado, e a segunda metade do filme mostra os personagens discutindo o efeito de suas backstories nos seus relacionamentos no presente, e isso é francamente um saco. Duas coisas notáveis: 1) Penélope Cruz está ficando cada vez mais bonita com o tempo (ter pintado o cabelo de preto e usado rímel pelo filme inteiro certamente ajudou), e 2) A cena dela cantando a música espanhola com os dois violeiros é bastante emocionante (como esse tipo de cena costuma ser).

Still Life (n/a): Eu não vi esse filme. Ao invés disso, fiquei bêbado. E você, como vai?

Domingo

Edmond (55): Talvez o filme mais estranho do festival (sim). Parece que o Sr. Mamet ficou bêbado, cheirou coca e decidiu escrever um roteiro em uma sentada, sem muita preparação, deixando a sua indignação com a raça humana em geral fluir livremente. O resultado é episódico, sombrio e nojento. Ele grudou em mim desde que eu saí da sessão, me deixou semi-mal-humorado pelo resto do dia, e ainda me sinto um pouco sujo por ter o assistido. É sobre um homem racista e canalha em algum tipo de crise de meia idade, que deixa sua mulher após ouvir os conselhos de uma cigana e sai vagando pela noite, em busca de “uma trepada” e algum propósito na vida. Seus encontros com prostitutas geralmente acabam sem sucesso por sua insistência em tentar negociar um preço que faça sentido para ele, e essa ênfase em transações de dinheiro me alertou ao que o filme poderia ser sobre. Mas depois isso é deixado de lado, e o filme segue com uma série de encontros com negros que tentam assalta-lo, agredi-lo ou incrimina-lo, e isso inspira o seu já pré-existente racismo a monólogos absurdos e psicóticos. Isso, juntando ao monólogo de Joe Mantegna sobre “pretos” no começo, e ao ato final (que não vou revelar) dá a idéia de que Mamet está tentando fazer alguma afirmação sobre racismo, e esse é o seu Crash. Qual é exatamente o ponto dele? Sinto muito, não bateu ainda. Mas é definitivamente interessante...

12:08 A Leste de Bucareste (70): A segunda metade do filme, situada inteiramente na gravação de um programa de TV que os três personagens principais participam, podia ter dado um decente curta de humor, talvez um skit estendido de Saturday Night Live, como sugere o Mike D’Angelo. O que o transforma o “decente” em “muito engraçado” é que o filme passa a primeira metade observando cada um dos personagens, e sutilmente revelando aspectos da sua personalidade, nos deixando conhece-los. Quando eles começam a participar da gravação do programa, é como ver três amigos ou conhecidos seus aparecendo na TV e se fazendo de idiotas. O humor triplica em intensidade. Deixando claro o quanto eu me diverti, também achei o filme um pouco superficial. Há uma certa melancolia no propósito do programa de TV – decidir se uma micro-revolução aconteceu ou não numa cidadezinha da Romênia quando Ceaucescu renunciou –, tentando dar importância história a algo tão pequeno e insignificante, mas o alcance é limitado. Isso deve importar? Acho que não. É um filme sólido, humilde (me lembrou de Whisky no seu humor deadpan/distante) e feito com extrema competência, e expondo uma certa decadência na sua ambientação. Dois golpes emocionais que me acertaram em cheio: 1) quando o vendedor chinês liga para o programa e tenta elogiar o alcoólatra depois que ele foi humilhado (previsível, sim, mas funcionou), e 2) a primeira imagem do filme, da praça onde teria acontecido a revolução, reaparecendo no final, iluminada por luzes de Natal, agora com um Significado.

Paris, Te Amo (38): Diz o título, mas se os cineastas dos 20 curtas que compõe o filme realmente amassem Paris eles teriam se esforçado um pouco mais. O resultado é fraco. Como uma mulher que eu conheci na minha sessão disse: “16 merdas, 2 medíocres, 2 bons”. Minha reação não foi tão extrema, mas não tão distante assim. Os dois melhores foram os dos Irmãos Coen – que trabalham no modo Humor Escrachado de Arizona Nunca Mais com ótimos resultados – e, surpreendentemente, o de Tom Tykwer (Corra, Lola, Corra), que eu nem sabia que estava participando do projeto. É de Tykwer uma das melhores cenas que eu vi no festival todo: uma montagem em fast-motion mostrando o relacionamento de Natalie Portman e seu namorado cego se beijando, passeando, dançando, etc. Parece clichê, mas a montagem é feita com sofisticação e intensidade, e o resultado é arrepiante. Os curtas de Olivier Assayas e Gus Van Sant também são moderadamente agradáveis, o primeiro lembrando alguma cena cortada de Clean (com Maggie Gyllenhaal no papel da Maggie Cheung [devo admitir que a Maggie 1 está ficando quase tão atraente quanto a Maggie 2 nos meus olhos e etc]) e o segundo fugindo da Bela Tarr Corporation e fazendo algo mais tradicional (e gay). As verdadeiras atrocidades são as de Christopher Doyle – o talentoso diretor de fotografia de Wong Kar-Wai – e um envolvendo mímicos de um tal de Sylvain Chomet. Essas duas pessoas nunca mais devem receber o controle total de um filme; a segunda deve ser posta na cadeia. Anyway, entre o bom e o podre há um mar de medíocre que eu prefiro não comentar.

Segunda

Time (72): Inicialmente a minha nota estava com 10 pontos a mais. Eu a diminuí depois que a excitação inicial se dissipou (embora eu ache que vá subir de novo depois de uma segunda assistida), mas há como me culpar? Aqui está um filme tentando lidar com – e possivelmente explicar – alguns dos assuntos mais profundos que nós conhecemos: por que relacionamentos acabam? Por que a familiaridade precisa ser inversamente proporcional à paixão? Há alguma forma de burlar isso? O que nós pomos em risco tentando nos transformar-mos para agradar o parceiro? A mencionada familiaridade vem do interior ou do exterior? Etc. Eu não vejo como não ficar excessivamente estimulado com tudo isso, e o filme ainda costura esses pontos numa narrativa ágil e dramática. Várias cenas, especialmente no segundo ato, tiveram um peso melancólico que parecia dobrar de intensidade a cada cena, como se a obra estivesse invocando alguma Verdade sobre a natureza humana. Eu conheço pessoas que iam se beneficiar bastante de uma sessão de Time como uma terapia de 2 horas. De qualquer forma, prefiro não comentar extensivamente sobre ele até ter a oportunidade de revê-lo. Mas bom trabalho, Kim Ki-Duk (ou é Kim Ki-Duka).

Síndromes e Um Século (81): Por onde começar? Aquele plano em Mal dos Trópicos mostrando uma estátua religiosa coberta de luzes pisca-pisca de Natal dá uma boa idéia do que essa nova obra de Joe está tentando comentar (e eu digo “comentar”, e não “falar”, porque os filmes de Joe nunca parecem ter um Ponto em particular). Esse filme é uma expansão dessa justaposição do Velho e do Novo, do Espiritual e do Concreto, e o conflito que isso gera. Que metade do filme se passa num hospital do campo e a outra se passa num hospital da cidade é quase acidental. Uma estátua religiosa ao lado de uma quadra de basquete (na primeira metade), e depois comparada através de planos paralelos com a estátua de algum médico (na segunda metade). Um monge quer ser um DJ e gosta de pop moderno, mas “uma forma misteriosa” o mantém com aquele “robe ridículo” (nota-se que o monge é auto-consciente e “urbano” o suficiente pra achar o robe dele ridículo, ou pelo menos fingir que acha). Uma criança testa uma perna artificial. Outra foi intoxicada com gases e agora não se considera “humano”. Joe vai formando um mosaico com essa dicotomia, tanto que repete praticamente a mesma trama nas duas metades, com hospitais em localizações diferentes.

Ele julga uma melhor que a outra? Difícil de saber. No campo, a interação entre o monge e o dentista é muito mais afetuosa e agradável. Na cidade, em meio a aquele ambiente estéril e levemente intimidante, o monge parece visivelmente desconfortável. A esposa de um médico sugere para que eles se mudem para um ambiente industrial e hi-tech (mostrado numa montagem de fotos, que parecem imagens do set de Deserto Vermelho do Antonioni) e ele parece relutante. Falando em Antonioni, ainda há uma montagem de planos de ambientes vazios do hospital ao som de música ambiente horripilante que lembra o final de O Eclipse (e mostra que o diploma de arquitetura do Joe serviu pra alguma coisa). Ele parece estar favorecendo o campo afinal, não é? Mas como ter certeza? O filme inteiro é misterioso. Até os momentos mais simples são filmados de um jeito que Joe consegue invocar o espiritual e o Desconhecido. Um plano memorável mostra um tubo no hospital sugando uma neblina; qualquer que seja a sua interpretação disso no contexto do filme, a sensação que o plano passa é indiscutivelmente forte.

Dois parágrafos divagando e eu nem mencionei o senso de humor, o clima relaxante do campo, a montagem ao som de uma música de violão, a história repetida de Mal dos Trópicos do monge e os fazendeiros gananciosos, contada de um jeito levemente diferente (e ligada ao outro aparente tema do filme: Lembranças). É muita coisa. Eu quero rever urgentemente.

Dia Noite Dia Noite (78): É um filme perfeito. Literalmente. Impecável. A diretora Julia Loktev (que estava presente na nossa sessão) não comete nenhum erro. A nota só está (relativamente) baixa porque o conceito do filme tem certos limites. Mas dentro deles, é uma obra absolutamente maravilhosa, inspiradora, e definitivamente a maior surpresa do festival. É como se os Irmãos Dardenne decidissem fazer um filme apolítico sobre a experiência de ser um homem-bomba, e colocam esse peso nas mãos de uma adolescente de 19 anos. O foco da narrativa é inteiramente no processo físico desse encargo: a garota é despida de qualquer coisa que a identifique, segue uma série de rituais para entender qual é o plano e como a bomba vai funcionar, e é tudo filmado com câmera na mão e naturalismo inexorável. Ela corta as unhas, ela mija nas calças, ela come junk food enquanto espera a hora de executar o plano (por quê?), ela decora sua identidade falsa a repetindo várias e várias vezes (quase como uma oração). Ela fala com educação e sensibilidade. Temos close-ups de sua pele pálida (por quê?). Em uma cena, um dos guias dela explica como vai ser a explosão alfinetando o dedo dela: “Isso é tudo que você vai sentir.” O filme sugere densidade com sutileza, e nunca tem a pretensão de sugerir algum principal ponto além do peso emocional do processo em si. A segunda metade inteira do filme é tão implacável e intensa – os 40 minutos mais eletrizantes e desgastantes do festival todo – que nós (eu, V e Didier) não conseguimos simplesmente sair da sessão e voltar pra casa. Tivemos que ir pra um bar e beber até as tremedeiras (pelo menos as minhas) passarem.

Clube da Mostra: Genial. Bebidas de graça. Esse é todo o espírito do Cinema. O ambiente é agradável também.

Monitora Loira do Clube da Mostra: Olá. Você gostaria de casar comigo? Sim, você não me conhece, entendo o receio. Mas depois de ler esse post, pode ver que eu sou um homem que encara a vida com Paixão (a mesma Paixão que eu tenho pelo Cinema), e isso é uma qualidade invejável. Além disso, sou liberal, sensível, tolerante, bem humorado, adoro viajar e caminhadas na praia, adoro o pôr-do-sol e não tenho nada contra animais de estimação (eu tive alguns Esquilos da Mongólia - seus nomes eram Luke, Amidala e Espuleta - mas já faleceram). Quem sabe não somos perfeitos um para o outro. Caso a resposta ao meu pedido seja "Não", eu me contento com uma foto nua; envie no e-mail: folcouzala@yahoo.com. Obrigado.

Música-Chave da Viagem de Volta: "Slipping Husband", de The National, do disco Sad Songs for Dirty Lovers. Não, monitora, eu não serei um marido adúltero. Não deixe minha apreciação por essa música criar idéias erradas na sua cabeça. Acredito na fidelidade.

PS: Esse post é enorme. Veja bem.

Previsões do SPIFF

2006-10-25T19:09:00.000-03:00

Dentro de 2 horas e meia, estarei repousando no meu assento num ônibus rumo à São Paulo pra passar 5 dias isolado da Sociedade Trabalhadora Ordinária, imerso em filmes "de arte" e (possívelmente) alcool.

Essa é a minha provável programação + motivo da escolha:

Quinta 26

Os Infiltrados (15:20, Unibanco Artplex)
Eu vou ver esse filme porque eu quero saber como é ser um infiltrado. De acordo com o crítico Nova Iorquino Miguel Dos Anjos, a experiência de ser um infiltrado merece 79 pontos. De acordo com o resto da comunidade crítica, a experiência de ser um infiltrado merece 85 pontos. Veremos.

Eu Não Quero Dormir Sozinho (21:50, Sala UOL)
Algumas pessoas não gostam de dormir sozinho porque dormir sozinho significa não trepar. Outras pessoas gostam de dormir sozinho porque, trepando ou não, a cama fica espaçosa. O Tsai supostamente pertence ao primeiro grupo.

Sexta 27

Verão de 2004 (13:30, Cinesesc)
Eu não lembro o que eu estava fazendo no meu verão de 2004. Eu espero que esse filme vá me proporcionar uma resposta.

A Scanner Darkly (17:10, Reserva Cultural)
Esse filme é baseado numa das obras-primas do escritor/usuário de drogas/paranóico profissional Filipe Cadique. Eu já li tal obra-prima 3 vezes. Espero que o diretor/adapatador Linklater tenha lido mais vezes que eu e saiba como passar esse material pro cinema. Senão ele vai ter um goianiense puto no caminho dele.

A Ilha de Ferro (20:00, Centro Cultural SP)
Esse filme é supostamente sobre uma ilha de ferro. Eu quero ver esse filme pra saber como os moradores da ilha lidam com tempestades de raios. Não deve ser fácil, eu te digo.

Sábado 28

Investigação de Um Cidadão Acima de Qualquer Suspeita (15:20, UA)
Se esse cidadão é acima de qualquer suspeita por que vão investigar ele. Tá aí o dilema do filme.

Volver (18:10, UA)
Eu gostei bastante do último filme do Almodóvar, que se chama A Educação: Má. Lembra daquela cena que o Gabriel Garcia Bernal tá de cueca. É foda. Eu não sou gay.

Still Life (21:20, Cine Bombril)
Eu suponho que seja um filme composto de fotografias. Eu posso estar errado. Esses chineses, eu não confio nesses chineses.

Domingo 29

Edmond (14:00, Sala Cinemateca)
Escrito por David Mamet.

12:08 A Leste de Bucareste (17:50, Sala Uol)
... (o título diz tudo)

A Comédia do Poder (21:00, Cinemark)
Não tenho certeza se eu vou ver isso.

Segunda 30

Time (16:10, Cine Bombril)
Esse filme é sobre o Tempo. Tomara que este seja um assunto que o Kim Ki-Duk (ou é Ki-Duk Kim.) conheça profundamente. Eu não vi muita graça nos dois filmes dele que eu vi (A Casa Está Desocupada e A Primavera, O Verão, O Outono, O Inverno... E Sim, A Primavera Novamente). Veremos.

Sindromes e Um Século (18:10, Cine Bombril)
Esse provavelmente será um dos melhores filmes de todos os tempos. Eu vou dar nota 5 pra ele no papelzinho de votar do festival antes das luzes apagarem. Não vai ser tão foda quanto O Mel dos Trópicos -- não tem monstros, pelo que ouvi falarem -- mas o Joe nunca decepciona. Btw o nome verdadeiro do Joe é Apichatpong Weerasethakul. Bom nome.

Dia Noite, Dia Noite (20:20, Cine Bombril)
Esse filme vai mostrar um dia. E depois uma noite. Depois mais um dia. E mais uma noite. Tomara que seja uma sexta e um sábado, mas nunca se sabe.

***

Aí eu volto na Terça cedinho. Eu pretendo escrever comentários sobre todos esses filmes, mas só quando eu voltar. Vai ser algo mais elaborado.

Uma pena que o Ristow e o Khansc não vão poder vir ao SPIFF.

O Ristow vai participar de uma passeata gay de 5 dias. Ele vai marchar com os outros gays do centro do Rio de Janeiro até Búzios. Lá vai haver uma orgia.

O Khansc decidiu assaltar um banco.

A falta deles será sentida violentamente. Eu já consigo sentir ela agora: é tipo quando você quase vomita, mas consegue segurar, só que o gostinho fica na boca.

Btw, eu gostei das histórias e comentários do meu post anterior sobre O Tal do Sexto Sentido. Depois eu vou juntar elas e postar alguma coisa sobre elas, além de adicionar outras. Vou botar no liquidificador e ver o que da. Mas só depois do festival.

O Tal do Sexto Sentido

2006-10-12T11:28:00.000-03:00

Evento Recente N°1: Numa reunião familiar ontem à noite, o assunto se degenerou (como costuma acontecer) a histórias de aparições aparentemente sobrenaturais. Minha tia – na maioria das ocasiões uma pessoa sensata – começou a narrar sobre como há muito tempo atrás, ela e os seus dois filhos viram uma figura estranha, em plena luz do dia, cruzar o fundo do quintal da casa onde moravam. Quando questionada sobre a aparência da figura, ela respondeu que “parecia muito um Demônio.” Eu definitivamente fiquei surpreso; não só com a resposta, mas com a insinuação de que ela tinha alguma idéia de como demônios costumavam parecer. Eu, porém, estava desencorajado demais pra perguntar se era do tipo que usa cavanhaque, tridente e um bronzeado marciano, ou do estilo visualizado pelo Mel Gibson – um transexual careca.

Evento Recente N°2: Há algumas noites atrás, eu passei uma daquelas longas madrugadas conversando com um velho amigo que havia mudado e voltou para uma breve visita na cidade, pra pôr o papo em dia. Lá pelas três da madrugada, a conversa acabou se degenerando (como costuma acontecer) para as visões mirabolantes que a sua fé cristã o proporcionou. Além dos seus relatos de exorcismos que assistiu na igreja, entre outras coisas, ele também falou sobre sua mãe ter sido possuída pelo demônio (lá vem ele de novo) há vários anos atrás. Descreveu com detalhes sobre como era o dia-a-dia nessa época (imagine uma versão levemente mais amena de O Exorcista).

Entendam: eu confio nele – assim como eu confio na minha tia – na maior parte do tempo. Eles costumam ser espertos e sensatos. Como então posso conciliar isso com a minha descrença total no assunto? Não estou me referindo a demônios especificamente, mas qualquer coisa sobrenatural – espíritos, macumba, videntes, Papai Noel. E como o Sr. Ingmar Bergman, embora eu queira acreditar (porque, francamente, seria muito mais divertido), eu simplesmente não consigo me iludir a esse ponto. Mesmo tendo ocasionais acessos de medo violento – sou Ateu de dia e Agnóstico de noite – me mantenho cético.

Parte da minha razão em achar Donnie Darko um filme brilhante é que ele articula extremamente bem o processo de desespiritualização (tenho quase certeza que isso não é uma palavra, mas vocês entenderam) pelo qual vários futuros ateus passam, geralmente na adolescência. É uma história sobre um garoto que está começando a enxergar alguns fatos aterrorizantes sobre a Vida (e.g. a inevitável Morte representando o Fim, e nossa eterna e inerente Solidão), e sobre como sua mente perturbada faz tudo possível para afasta-lo desses fatos. É, em parte, sobre a capacidade de auto-enganação do ser humano, levada a um ponto nocivo, que acaba em tragédia. Ao contrário do Donnie, a maioria das pessoas consegue se desprender das visões do Coelhinho da Páscoa e seguirem suas vidas satisfeitas.

Mas e eles, então? Os que viram. Minha tia e meu amigo. Estão mentindo? Não, provavelmente não. Suas mentes os pregaram peças? Talvez. É importante notar que ambos são pessoas religiosas. Eu estou pressionando a minha mente aqui, mas não consigo lembrar de nenhuma história sobrenatural contada do ponto de vista de pessoas com uma visão mais aham científica do mundo, embora eu ache que já tenha ouvido algumas. E não há como não me perguntar por que essas coisas nunca acontecem comigo; é frustrante.

Vamos fazer o seguinte: eu peço aos (3 ou 4) leitores desse blog, de preferência os céticos como eu, a relatarem quaisquer acontecimentos sobrenaturais em que vocês foram os protagonistas, e para os quais não podem encontrar nenhuma explicação convincente. Podem ser também acontecimentos de pessoas que vocês conhecem e confiam. A seção de comentários pode não ter espaço suficiente, então me mandem por e-mail (folcouzala@yahoo.com); eu vou juntar todas as histórias e colocar num novo post aqui no blog (e talvez dar a minha opinião sobre elas). Vai lá, moçada, vamos explorar o lado metafísico da vida e etc.

PS: Olha o que acabou de acontecer a 5 minutos atrás: eu ouvi uma batida de carros muito (muito) alta vindo da avenida em frente ao meu prédio. Corri com o coração acelerado até a janela pra ver o que havia ocorrido, mas o acidente não estava no meu campo de visão. Então eu desvio a minha atenção pra um pequeno pássaro flutuando a uns 5 metros da minha janela. O pássaro, num vôo de alta velocidade, abocanha uma cigarra gigantesca voando na direção oposta, leva ela (que agita as asas desesperadamente) para o topo do prédio ao lado do meu e começa a estraçalhá-la. Na falta de transexuais carecas, eu tenho que me contentar com esses tipos de momentos mágicos.

Sim, Eu Sou Uma Faca

2006-09-27T16:52:00.000-03:00

There's A Beat In All Machines, Veto (2006) - 9

O canal da Sony mostra umas “vinhetas” entre os programas que informam notícias (leia: fofocas) e a bilheteria dos filmes da semana, e enquanto isso, toca no fundo o single de alguma banda independente do momento. Eu devo agradecê-la, porque nessa vinheta eles costumam selecionar músicas realmente boas, e eu descobri por lá bons artistas como Ulrich Schnauss e, mais recentemente, Hot Chip (e no momento estão tocando “In The Morning” do Junior Boys). Já em matéria de clipes mostrados na programação, eles fedem. Nos últimos meses, parece que decidiram comprar alguma espécie de pacote “Cantoras Francesas Semi-Obscuras - Três Por Uma”. A medíocre Emilie Simon copia animação do Tim Burton, depois finge que é uma boneca de palha e canta uma música inteira na mesma nota. Outra termina o clipe segurando um coração vivo na mão. Isso pra não falar dos Detonautas e CPM22 que já apareceram. De qualquer forma...

É pra minha surpresa então que às 3 da madrugada - cansado e bêbado, jogado na cama e assistindo a reprise de algum seriado ruim enquanto espero o sono bater, com os olhos semi-cerrados - eu escuto algo espetacular. É um sintetizador sendo tocado num ritmo desconfortável, sem nenhuma melodia particular, mas com uma textura galvanizante; é um gancho, por mais desconcertante que seja. Ele lembra algum experimento do Aphex Twin. De repente, uma bateria saltitante e vocais desesperados começam a construir uma canção post-punk-esca em volta desse “gancho”, e funciona como mágica. Eu arregalo os olhos e presto atenção. No momento, lembro vagamente do clipe, uma animação mostrando prédios futuristas estilo-Metrópolis, mas não estou preparado pra falar qualquer coisa positiva ou negativa sobre ele. Só sei que o gancho e a canção que se desenrolou ficaram gravados na minha cabeça. Eu peguei uma caneta e um papel e esperei o canal mostrar os créditos. A banda era Veto, e a música era “You Are A Knife”.

No dia seguinte, faço uma busca no Google e a maioria dos sites que aparecem estão em uma língua que eu não compreendo. Um pouco mais de pesquisa e eu chego à informação de que eles são dinamarqueses, e muito pouco conhecidos. No Allmusic, a única banda chamada Veto é algo de Heavy Metal dos anos 80, o que Veto não pode ser. Volto pro Google e descubro mais: o disco de estréia deles, chamado There’s A Beat In All Machines, ainda não saiu em lugar algum além da Dinamarca. O que é uma pena, pois assim que eu o encontrei (eMule) e ouvi, meu primeiro pensamento foi: “Por que eles não são uma das bandas mais faladas/ouvidas/xingadas do momento? Cadê o hype? Ou já passou e eu perdi?”. A verdade é: Veto mantém a qualidade e energia do single pelo álbum todo. É brilhante. Cada música é cheia dos seus charmes individuais, mas a consistência estilística mostra que os rapazes sabem exatamente o que estão fazendo e onde querem chegar. A bateria - que consegue ser o elemento de destaque em várias faixas – usa ritmos quebrados e escorregadios, nunca deixando você se acostumar. Isso não é inovador por si só (Techno, Kraut, etc), mas quando inserido num contexto de indie rock, o resultado pode ser eletrizante (veja também: “Myxomatosis” do Radiohead).

O clima que percorre todo o disco é de dystopia futurista (o mesmo representado no clipe), gerado por sintetizadores muito bem usados - como “I Brought BBQ” - e a ocasional drum machine, além da constante tensão nas composições e a produção espaçosa. Mesmo nas “baladas”, sempre há uma sensação de que a musica está preste a explodir e virar algo violento e agressivo, e quando acontece (“From A to B”), não tenha dúvidas de que o seu queixo irá se desprender do crânio e pousar em algum lugar próximo ao seu pé (mas não se preocupe, não será doloroso).

Não tenho certeza se é o melhor do ano até agora, mas com certeza o mais impressionante. Baixe ele aqui. A senha para abrir o arquivo rar é beat. Divirta-se.

Everyday

2006-09-05T19:44:00.000-03:00

Então um cara decidiu tirar uma foto de si mesmo todo dia por 6 anos e fez uma montagem juntando todas elas em alta velocidade, e com uma trilha Yann Tiersen-esca no fundo. Soa como uma idéia intrigante que corria risco de cair num buraco de narcisismo dispensável, mas o resultado ficou ótimo.

De certa forma, o filme funciona como um daqueles trabalhos do Stan Brakhage em que ele pinta cada quadro de uma película com formatos diferentes e coloridos, e mostra eles em 24fps. Do mesmo jeito que aqueles filmes forçavam você a tentar encontrar padrões no meio do caos abstrato (ou se perder nele), o plano de fundo das fotos de Everyday se transformam de um jeito hipnótico, às vezes sutilmente - o angulo da camera num quarto variando, uma cueca pendurada na cadeira desaparecendo, ou então a luz do dia virando luz artificial - às vezes violentamente - um quarto se transformando num shopping ou num carro, ou mudando pra um filtro verde ou vermelho.

Mas o efeito do fundo mutante só é impressionante porque o rosto do Noah permanece enquadrado sempre na mesma posição, e geralmente com a mesma expressão apática; é como se ele tivesse recortado a sua face e colado por cima de milhares de fotos. É divertido ver o cabelo dele crescendo aos poucos e diminuindo abruptamente, ou em certos trechos dançando de um lado pro outro como se estivesse acompanhando o ritmo do piano. Se você for atento, vai ver que em uma das fotos dá pra ver uma mulher no fundo, e em alguns quadros ele está sem camisa, ou com uma gravata borboleta, etc. Eu acho que algumas vezes ele até arrisca um sorriso, mas eu não tenho certeza.

Há algum ponto no filme? O Sr. Noah queria expressar alguma coisa pros YouTubeiros além de “eu adoro o meu rosto (e vou continuar adorando por 2356 dias)”? Será talvez uma metáfora sobre a incapacidade do Homem mudar sua essência, independente do seu Ambiente ou da força do Tempo? Ou será que ele apenas queria mostrar que, se alguém é feio em 2000, ele vai continuar feio em 2006? Não sei. Pelo piano dramático, a impressão é que ele está seguindo a rota mais séria, embora a música dê um tom de “Importância” desnecessário. Uma música pop clássica e levemente melancólica teria sido melhor; imagine o quanto o filme ia ficar perfeito com “A Day In The Life” dos Beatles no fundo, ou algo do tipo.

PS: É uma pena que o Michael Jackson não teve essa idéia antes. Teria sido o filme mais aterrorizante de todos os tempos.

Conspiração Mineira

2006-08-25T23:34:00.000-03:00

Não é sempre que você encontra coisas ridículas na internet. Mentira. É sempre. Mas não em proporções tão gigantescas e misteriosas como o que eu descobri hoje no YouTube. Talvez alguém possa me iluminar sobre o que diabos isso significa:

Primeiro, eu pensei “Ok, ela perdeu uma aposta”. Mas aí eu olhei ali do lado, na parte de “Explore More Videos” e vi que são várias pessoas fazendo exatamente a mesma coisa, e aparentemente no mesmo lugar (computador à esquerda, parede branca no fundo). A maioria tem um sotaque semi-nauseante, e todos faltaram as aulas de “Leitura em Classe” na quarta série. Possíveis explicações que pularam na minha cabeça assim:

1) Grupo de amigos do interior de Minas Gerais decide lançar uma nova moda de fazer críticas de filmes pelo YouTube.

2) Plano do Bill Gates para dominar o mundo.

3) Grupo de amigos do interior de Minas Gerais decide dominar o mundo.

4) Várias pessoas perderam apostas.

5) Parte da campanha de marketing da refilmagem americana de Pulse, um filme sobre fantasmas malignos que habitam a internet.

6) Parte da campanha de marketing do filme Trair e Coçar é Só Começar, um filme sobre fantasmas malignos que habitam o cinema brasileiro.

7) Parte da campanha de marketing de Geraldo Alckmin.

8) Seleção natural.

Se alguém tem mais alguma explicação, de preferência uma correta, por favor, me informe. Alguns desses vídeos chegam a ser perturbadores, como esse:

Eu não sabia que ainda existiam pessoas que pronunciavam “fire” como “FÁIRI”. E eu não sabia que pessoas podem dizer algo como “A banda consegue em 10 faixas traduzir a vida de um microcosmo social, síntese da própria condição humana” e não serem presas ou fuziladas.

Tem também esse pobre coitado:

Parece um daqueles jovens pastores que vão ler um salmo no horário religioso do canal Rede Vida (ou Rede Mulher, sei lá). Se sentir um desejo violento de dar um tapa na cara dele, é apenas evidência de que você é um ser humano.

Veja esse:

Adorei o boné e o colar e a camisa de gola polo amarela. Deve ter ido direto pro show do Jota Quest depois da gravação. “O estilo cinemão do Tio Sam.” Muito bom.

Espero que eles estejam sendo pagos.

Não Só De Manhã

2006-08-17T14:26:00.000-03:00

“In The Morning” é meu cafetão, eu sou sua prostituta. Se eu não respeitá-lo, ele vai me dar alguns tapas e me colocar no lugar. E roubar meu dinheiro. Ele me faz sentir como se ficar longe dele fosse arruinar a minha vida. Mesmo por uma hora.

Não é só uma canção, é um novo jeito de viver. É o equivalente a um daqueles grupos espirituais new age que vão pra algum morro viver em harmonia ouvindo Enya enquanto esperam o apocalipse chegar. Todos eles vestem branco, e são vegetarianos, e alguns tem o cabelo raspado. Deu pra visualizar?

Agora imagina eles dançando = “In The Morning”

O seu título sugere um clima matinal, mas ela também funciona à noite, ou na hora do almoço, ou enquanto você escova os dentes. É como pinga, não existem momentos impróprios.

Quando ela está tocando, eu paro de funcionar como uma pessoa, e viro um dos Junior Boys. Eu repito os “Oh! Too young!” do mesmo jeito sexy e levemente afeminado deles. E repito os “Tsc” e os “Uh!” e os “Hmm” que complementam a percussão.

E tem aquele riff de sintetizador que aparece na música lá pra 2:54 e devasta tudo no seu caminho (quem ouviu a música sabe do que eu to falando). A textura é tão maravilhosa que quase dá pra sentir ele batendo no seu corpo. Parece um esquilo chapado em ecstasy tocando uma corneta, mas é um esquilo sexy, que você obedeceria sexualmente se ele prometesse nunca sair da sua vida. Quando ele surge, meu corpo e mente não sabem como reagir, então eu travo completamente em puro êxtase.

Músicas como “In The Morning” são o motivo de tanta violência, guerra, fome, pobreza e sofrimento no mundo. Elas deixam tudo equilibrado.

O resto do álbum também é ótimo, bla bla bla, etc. Peguem.

Brett Ratner, O Garanhão

2006-08-04T19:46:00.000-03:00

Mandaram-me o link de uma entrevista com o Brett Ratner (o picareta responsável, Hora do Rush 1 & 2, Dragão Vermelho, X-Men 3, entre outras desgraças) que supostamente mostrava o quanto ele é idiota. Eu esperava alguns comentários bobos aqui e ali, mas não podia imaginar quão estupidamente hilária a coisa ia ficar. Brett Ratner superou todas as minhas expectativas.

A (longa) entrevista foi conduzida pelo site nerd CHUD.com, durante as filmagens de algum projeto que o Brett está participando. Vou traduzir os meus (vários) trechos favoritos e incluir meus comentários em itálico:

CHUD: Você está no The Outsider, um documentário sobre [James Toback]. Ele é seu diretor favorito, mas vocês são diretores bastante diferentes – você é um diretor grande e comercial, e ele tem uma coisa bem diferente e íntima pro estilo dele. Você consegue se ver seguindo nesse caminho, seguindo na direção Tobackiana?

Ratner: (ri) Não. Olha, eu faço meus pequenos projetos, meus livros de fotos, mas eu sou um contador de histórias. E minhas sensibilidades são mais populares, mais comerciais. Mas o fato de eu ter um relacionamento com o Toback – pessoas que me conhecem não pelo meu trabalho, mas me conhecem pelo o que eu sou – mostra que eu não sou um picareta ou um comercial vendido. [Os críticos deviam sair pra tomar umas bebidas com o Brett, pois aí eles iam perceber que ele não é estúpido e superficial, somente os filmes dele. Ok.] Eu tenho respeito de Toback e Polanski e todos esses caras porque eu sou um cineasta de verdade. Quer você goste ou não do gênero que eu estou trabalhando [ser “comercial” é um gênero?], você não pode negar que eu sei o que estou fazendo [hahahahahaha]. E se você ver o Making Of [de X-Men 3] – eu tava assistindo ele outro dia, e você me vê tendo essa idéia, aquela idéia, e como eu junto elas e como eu faço funcionar. [deve ser um belo Making Of]

[algumas perguntas depois...]

Ratner: Olha, eu acho que há uma linha embaçada entre a minha personalidade pública e o meu trabalho. Simplesmente aconteceu. Eu acho que eventualmente as pessoas vão olhar pra trás e pensar “Wow”. [hahahahahahahah!]

[...]

Ratner: As pessoas sempre me odiaram.

CHUD: É uma questão de inveja?

Ratner: É isso que minha mãe me diz, mas é a minha mãe. Eu não sei.

CHUD: É engraçado abrir os tablóides e ver coisas sobre você lá, ou é irritante?

Ratner: Não é irritante. Eu não me levo tão a sério. Eu consigo rir disso. Se eu levasse a sério, ia piorar. Eu amo o que eu faço. Eu amo cineastas. Werner Herzog está aqui [na cidade] – isso não é legal? A maior estrela podia estar no lugar e eu vou me importar é com os cineastas – os diretores e diretores de fotografia e produtores. São pessoas que eu admiro. E eu amo filmes. Eu vim dirigindo de L.A. e durante toda a viagem nós brincamos do Jogo dos Filmes. A gente tentou lembrar de filmes com animais como protagonistas [hahahahahah]. Eu fui falando e falando e falando e eu pensei tipo, “Wow, eu já vi muitos filmes!” [hahahahahaha. Que ele já viu muitos filmes com animais como protagonistas pode ser uma pista para as suas habilidades como diretor] No fim do dia eu quero deixar uma marca, de alguma forma. Se um de meus filmes se segurar por 100 anos, eu vou estar feliz de onde quer que eu esteja assistindo [do inferno, nós esperamos].

[aí segue um trecho onde o entrevistador narra um fato que ele descobriu sobre Brett Ratner]

O que é incrível de se sentar com Ratner por qualquer quantidade de tempo é assistir ele fazer o que talvez seja o verdadeiro trabalho de sua vida: flertar com garotas. [Oh. Meu. Deus.] Ele é impiedoso, dizendo “Olá docinho” ou trocando flertes com todas as mulheres que passam por perto. Em um momento, Ratner trouxe o ator Woody Harrelson para perto de sua atraente figurante com quem ele estava flertando, e apresentou ela como sua futura namorada. Ele tentou fazer uma das participantes da sua equipe de filmagem desistir de um noivado.

“Sempre encontre algo que você tem em comum”, ele me ensinou. Ratner elogia o livro The Game como um grande guia sobre como pegar mulheres. Eu me perguntei se isso foi algo que veio a Ratner depois que ele se tornou um diretor famoso, mas na última semana eu falei com várias pessoas que o conheciam há um bom tempo, e esse, eles me dizem, é quem Brett é.

[Tá aí, gente. Brett Ratner. O Garanhão.]

[E a entrevista continua...]

CHUD: Então Rush Hour 3 está realmente acontecendo?

Ratner: Sim. Vou filmar em 8 semanas.

CHUD: O que vai fazer este diferente dos outros dois?

Ratner: É uma comédia de parceiros com elementos de comédia “peixe-fora-d’água”. Ele mistura gêneros. [Original. Talvez o filme inclua até Humor Étnico] Jackie Chan no primeiro veio pra L.A. e era um peixe fora d’água. Chris Tucker no segundo foi pra Hong Kong. Agora os dois vão pra Paris, onde eles não falam a língua. [Brilhante] Se você realmente entende de filmes, você vai saber minhas inspirações. Meus filmes são mais Operação Dragão, 48 Horas, Um Tira de Beverly Hills. [Um filme protagonizado por um lutador chinês, e outros dois por um policial negro espertalhão interpretado por Eddie Murphy. Agora nós sabemos de onde A Hora do Rush surgiu.]

CHUD: Filmes que você cresceu vendo.

Ratner: Sim, mas filmes que não tem um estilo, per se. Mas toda cena em meus filmes vem de outros filmes. [hahahaahahahahahahhaha!!!]

CHUD: Como vocês deixam a série [de Hora do Rush] ainda excitante?

Ratner: Nós queremos fazer um filme superior ao último. Hollywood infelizmente é construída em cima de seqüências agora – é tudo seqüências e refilmagens, e isso é um desafio. Não há tanta engenhosidade quantos nos anos 60 e 70 quando os cineastas estavam inventando gêneros, criando coisas que você nunca havia visto antes. Itália, França – no mundo todo. Eles nunca haviam pensado em refilmar um filme. Bem, Scarface foi o remake de um filme antigo ou uma adaptação. [Sim, Scarface foi refilmado nos anos 60 na Itália] Mas antes disso não havia nenhuma refilmagem. [Então, de acordo com Brett Ratner, Scarface foi a primeira refilmagem da história do cinema (!)]

[Momentos depois...]

CHUD: Você tem algum filme menor em espera?

Ratner: Eu gostaria de refilmar The Killing of a Chinese Bookie. [Isso parece quase uma paródia de uma entrevista com ele. Mas não é.]

CHUD: Isso requer bastante coragem. Refilmar um clássico de Cassavetes.

Ratner: Coragem? Fala sério, o Paul Thomas Anderson disse que vai pessoalmente pôr uma bala na minha cabeça. É um dos filmes favoritos dele. O problema é que ninguém o viu, além de cinéfilos. Nunca foi lançado nos EUA – eu acho que passou apenas por um dia e Cassavetes o tirou por causa de críticas ruins. Só foi lançado na França. Eu acho que é um filme cult e um filme com falhas. [E é claro, ao invés de propor um relançamento pro filme, Ratner acha que é melhor refazê-lo, e talvez corrigir as “falhas” com suas habilidades cinematográficas. Muito bom.]

Mais trechos randômicos de Brett Ratner extraídos do resto da entrevista:

- “Fazer um remake de O Poderoso Chefão é um sacrilégio... mas por quê? Existem tantos canais e formatos que possam ter uma platéia que quer assistir O Poderoso Chefão como uma minissérie de 4 horas. Sei lá, deixe as pessoas se expressarem”.

- “Eu acho que no mercado de DVD vai haver uma queda de vendas. Eu não sei... Os garotos querem assistir filmes nos seus iPods e nos seus celulares. O futuro está aqui agora. Você vai ter um celular baixando vídeo de qualidade digital de filmes e vai plugá-lo na TV. DVD vai se tornar obsoleto nos próximos anos.”

- “Eu acho que as pessoas podem olhar pros meus filmes e pensar ”esse é um filme do Brett”. Não é porque eu tenho uma tomada como a do Spike Lee, flutuando pela rua.”

Sim, é porque o filme é uma merda.

- “E com o que estava acontecendo no mundo naquela época [anos 60], porque só havia três canais de TV e você nunca assistia nada do tipo. É por isso que Psicose não funciona agora. Um cara [cara???] sendo esfaqueado no chuveiro? Você já viu até cabeças de pessoas sendo cortadas por causa do que está sendo agora no mundo.”

Sim, Brett, pois o motivo de Psicose ter se tornado um clássico foi o nível de violência que ele continha. Então se você quer garantir que um de seus filmes seja lembrado daqui a 100 anos, coloque bastante violência e sangue e tripas nele. E um animal protagonizando. Pode ser uma refilmagem. De Lassie. Ou Au Hasard Balthazar.

- “Mas eu te digo, e eu juro por Deus que eu não sei de nenhum outro cineasta que pode dizer o mesmo – não há um segundo em qualquer filme que eu fiz que eu olho e penso ‘Ugh.’”

Tradução: os meus padrões de qualidade estão bem abaixo dos de qualquer outro cineasta que eu conheça.

Tradução 2: Meu nome é Brett Ratner e eu nunca reclamo de nada, porque eu nunca entendo o que reclamar.

Tradução 3: Meu nome é Brett Ratner. Eu sou tonto.

"A risada é sem dúvida um grande... radar"

2006-08-02T20:55:00.000-03:00

Orkut! Dando na rua! CLIQUE AQUI!

2006-07-28T21:26:00.000-03:00

Eu não gosto do Orkut, e no entanto, já passei tempo o suficiente no lugar pra perceber informações curiosas. Começou com amigos me passando links diariamente de perfis de pessoas/comunidades estúpidas/ridículas, o que era engraçado (mas também meio deprimente). Depois eu decidi tomar coragem e fazer minhas próprias explorações por esse labirinto desesperador. Eu cheguei a conclusão que:

*É constrangedor o quanto os brasileiros estão na frente de qualquer outra nacionalidade em números. Eu chutaria que pelo menos 70% do Orkut é dominado pelo Brasil. O que isso diz de nós para o resto do mundo? Nós somos mais vagabundos? (provavelmente). Somos mais narcisistas e vaidosos? (provavelmente). Já não basta nossa soberania, nós nos damos o trabalho de invadir e estragar todas as comunidades internacionais. “PLEASE, for the sake of the WHOLE WORLD, try to post in ENGLISH, PLEASE”. Aí chega um gênio e responde: “Aprende português então seu filho da puta do caralho. Gringo disgraçado.”

*Eu acredito que o filme mais citado nos perfis de pessoas no Orkut seja ou O Efeito Borboleta ou O Senhor dos Anéis. Eu meio que consigo entender o segundo, porque é bom e popular. Já O Efeito Borboleta é um mistério. Esse filme é muito ruim, gente. É uma catástrofe. Como diz o ditado, é mais feio que batida de carroça. Cheio de sensacionalismo barato com pretensões de risco/profundidade. É como se o Ratinho fizesse uma refilmagem de “De Volta Para o Futuro” depois de passar 6 meses vendo MTV.

Por que esse filme está encontrando fãs no Brasil? Por que as pessoas não assistem Donnie Darko, que também envolve viagens no tempo, um protagonista bonitão, adolescentes, e com a vantagem de ser 73 milhões de vezes melhor? E eu não estou exagerando sobre a popularidade. Vou entrar na comunidade “EU AMO BEBÊS”, fechar os olhos e clicar em algum membro. Pronto. Sinto muito, Mayra. Nada pessoal.

*A proposta do Orkut não é conectar as pessoas? Então por que eles não têm uma função de busca interessante que indique pessoas de gostos parecidos? É simples: só mostrar as pessoas com quem você tem o maior número de “Comunidades Compartilhadas”. Pensem nisso por um momento. Eu com certeza gostaria de conhecer pessoas que também tem amor pelo seriado Grey’s Anatomy, pela banda The National, pelo filme obscuro tailandês Mal dos Trópicos, pelo ator/psicótico alemão Klaus Kinski, e que acreditam que "Google é Deus". Estou quase convencido que tal combinação não existe, mas o Orkut devia servir justamente pra me provar o contrário.

*A quantidade de spam pornografico brasileiro que aparece no Orkut é alarmante. É só encontrar uma comunidade pouco ativa e com poucos membros, e você vai conseguir uma seleção inteira que encaixe perfeitamente com os seus fetiches: loiras, morenas, negras, acima de 40, acima de 80, abaixo de 15, penis gigantes, vibradores, pênis que vibram, flagras no beco, zoofilia, etc. Visite a comunidade do The Fall agora e você vai encontrar um anúncio para "Garotas de Programa Gaúchas". Mas é claro. A lógica do anunciante é a seguinte: um fã da banda se junta à uma comunidade internacional de The Fall para discutir sobre os melhores discos lançados por eles, e percebe que o que ele realmente queria era um site que lhe informasse sobre as melhores prostitutas disponíveis no Rio Grande do Sul. Vá à comunidade de Kraut Rock e você vai encontrar um tópico lhe informando sobre o "Clube dos Gays". Um pouco abaixo está o tópico "INCRÍVEL! Putinhas dando na rua!". Faz sentido. Coloque o seu CD favorito do Can ou do Kraftwerk e abra o zíper. Por que todo anunciante pornô sabe que, no fundo no fundo, nós não queremos discutir sobre música. Nós só queremos nos masturbar 24 horas por dia. Esse talvez seja a observação mais profunda que o Orkut tenha a fazer sobre a condição humana.

*Agora, se você digita “Sexo” na busca de comunidades, você vai abrir uma parede que nunca mais vai se fechar (me perdoem o trocadilho). “Sexo Entre Amigos do Orkut”, “Sexo Seguro é Pela Webcam!”, “Eu Faço Sexo Gostoso”, entre centenas de outros. São as comunidades em que os seus membros preferem utilizar fotos de seus genitais como identificação. Os assuntos variam entre rapazes pedindo desesperadamente para que alguma gatinha de plantão adicione seu MSN (é claro, mulheres ocupam o seu tempo fazendo justamente isso) em tópicos com títulos como “Real, hoje! Agora!” ou “Já estou gozando!” ou “Acabei de tomar um banho, alguma gata afim?”, ou mais spam para sites adultos. Seria engraçado se em meio a tudo isso eu me deparasse com um anúncio para “Krautrock! Progressivo alemão! Agora!” ou “Conheça os Filmes de Michelangelo Antonioni!”.

Destaque, no entanto, para a comunidade “No Sex... Até casar! - A Visão Bíblica de Santidade e de Abstinência Sexual Até Casar!”. 13 mil membros. É um oásis de puritanismo num mar de perversão. E possuem um belo lema também: “Sem bitolação... Somente seguindo a Palavra e a vontade de Deus”. Eloqüente. “Certamente um lugar desses será puro e seguro para toda a família”, eu pensei, até ver um dos tópicos no topo: “JOELMA DA BANDA CALYPSO PEGA FAZENDO SEXO ORAL”.

***

Anyway, já que mencionei Krautrock, aqui vai o Tago Mago (1971), do Can, pra baixar. Um dos maiores clássicos do gênero. Não é o melhor disco pra introduzir a banda (esse seria o Monster Movie), mas acaba se revelando uma obra-prima se você se esforçar. E aqui está um vídeo de "Paperhouse", a primeira música do album, pra reforçar a idéia:

E caso você esteja no humor pra jazz latino obscuro/psicodélico, aqui está o Cortijo & His Time Machine (1974) para baixar., É extremamente foda, como se você estivesse numa festa em Cuba, num dia ensolarado, e as garçonetes são bronzeadas e nuas e carecas, e todo mundo está fantasiado de personagens de Harry Potter e dançando alucinadamente, e aí tem uns cachorros coloridos correndo em volta das suas pernas e o seu drink é feito de tinta e tem um anão flutuando em cima do telhado do bar. Sim, é bom desse jeito.

TV. Rádio. Biscoitos. Missões. Burma

2006-07-19T13:04:00.000-03:00

Return to Cookie Mountain, TV on the Radio (2006) - 6

O álbum de 2006 com a maior hype? Pitchfork deu 9.1? Stylus deu A-? “Uma das melhores bandas de hoje em dia”? Perdão? Não. É definitivamente interessante, e depois de ouvi-lo umas 5 ou 6 vezes, ainda não estou certo do que achar dele, mas duvido muito que minha apreciação vai subir a níveis tão histéricos.

O maior problema do álbum de art-rock desses rapazes (4 deles são negros; não, você não precisava saber disso, mas todo mundo que falou do álbum teve a mesma misteriosa vontade de mencionar o fato) é que os vocais danificam a maioria das músicas, tanto pela sua presença quanto pela falta de presença. Eles têm a mania de deixar as linhas de vocal com multitrack, ou então fazer harmonias entre os dois vocalistas principais (um deles soa medíocre, o outro soa como se alguém tivesse cortado os (já pequenos) testículos do Prince), e o som das vozes fica embaçado e irritante. Dizem que o David Bowie faz uma participação especial na canção “Province”; eu não saberia dizer. O Tiririca podia ter cantado ali que os vocais iam continuar confusos e indecifráveis. Em “Wolf Like Me”, o single, o estrago é mais evidente, pois essa é uma das poucas faixas que contém evidência de energia própria, e teria funcionado muito bem sem a gritaria.

Eu digo “energia própria” porque quem está o elogiando fica mencionando como o álbum inteiro tem algum tipo de Atmosfera especial, que substitui a falta (fatal, eu diria) de ganchos. Infelizmente, tudo o que eu posso ver são guitarras e sintetizadores formando um buzz granulado não-muito-discreto no fundo, mas que não gera nenhuma profundidade em si. A produção também participa, tirando vida e verve de cada instrumento (e a drum machine usada aqui e ali não ajudada), com a pretensão de adicionar a essa “atmosfera peculiar”. Em alguns momentos, o disco me lembrou de trabalhos do Animal Collective -- como as batidas tribais de “Let the Devil In”, e os vocais simulando uivos e cantorias primitivas em “A Method” – só que mais mecânico e sem a mesma eletricidade.

Mas não é uma perda total. O fato do álbum ter me seduzido a ouvi-lo mais e mais vezes (e eu provavelmente vou continuar investigando) já mostra que as ambições da banda valem pra alguma coisa. E algumas das canções são ótimas. “I Was a Lover” tem um sintetizador estranho que, como Pitchfork disse em sua crítica, parece um elefante chorando; é algo que o Richard D. James inventaria. “Tonight” é linda; tem facadas escassas numa guitarra cheia de reverb que finalmente proporciona uma ambientação com efeito notável, e o vocal consegue ser agradável o suficiente pra me embalar na música. O resto do álbum devia ter sido assim.

Anyway, eu uploadei ele pra um amigo então já vou deixando o link aqui pra quem se interessar em baixar. Essa é a versão final com os nomes das faixas e a ordem correta.

The Obliterati, Mission of Burma (2006) – 8

Representação literária do novo disco do Mission of Burma:

POOOOW! BAAANG! KAZAAAAAM! TATATA! KABOOOOM! BLERGH! AAAAAARGH! POOOW! GUITARRAS! KAZAAAAAM! SANGUE! NAS! ORELHAS! KABOOOOM! ETC! POOOW! ESTUPRO! BAAAANG! KAPOOOW!

Sim. O álbum soa extremamente bombástico e gigantesco, como se na hora da mixagem todos estivessem usando algodão nos ouvidos e ficassem repetindo “Não to ouvindo nada, pode aumentar.” Nesse caso, é uma coisa boa. É como se os velhinhos da banda (que começaram nos anos 80, na era post-punk) quisessem mostrar quem é realmente rock ‘n roll para as “criancinhas” dominando o mercado. “Eu nasci nos anos 60. Eu engoli suor do Iggy Pop na época que ele ainda não tinha rugas. Nós sofríamos ameaças nucleares da União Soviética. Nós éramos Punk de verdade, cara. Har har!”.

Como os companheiros de profissão que surgiram na mesma época, o Sonic Youth, Burma tem uma fascinação imensa por guitarras e distorção e por experimentar o quanto puderem com isso, sem perder a energia. Assim como Sonic Youth, eles são uma banda de momentos mais do que canções. Você vai geralmente encontrar trechos e riffs e movimentos fantásticos dentro de cada faixa ao lado de partes mundanas e medíocres, que funcionam como tapa-buracos. A boa notícia é que o ótimo derruba o mundano na maioria dos casos. Obliterati abre com a excelente “2wice”, em que as guitarras são tocadas com uma constância frenética, formando uma onda de noise melódico que lembra o shoegaze do My Bloody Valentine, se o Kevin Shields tivesse muito, muito puto com alguma coisa. E embora a banda possua dois (ou 3?) vocalistas que provavelmente não nasceram pra serem vocalistas – e isso lembra de outra banda com musicalidade excelente e vocais horríveis que lançou álbum esse ano: The Joggers – o Burma ainda se esforça pra encontrar ganchos vocais divertidos como o refrão de “Is This Where?” e a linha frenética de “Good, Not Great” (que abre com a frase “Feeling kinda punk”).

Mas o destaque do álbum é “Careening With Conviction”, que certamente é uma das melhores músicas dos últimos 6 meses. Abre com um baixo musculoso, e o resto da banda entra com o vocalista gritando “She said fuck it all/Who’s gonna hear me when I call?”; alguns momentos depois a guitarra é dedilhada com delicadeza, e em 1:18 entra o riff mais intenso e violento que eu ouvi esse ano, que dura até 1:39. Isso é seguido de um solo dissonante lembrando uma furadeira, que é seguido pelo que parece ser uma guitarra solando ao contrário. E depois tudo se repete. É tão potente e vigoroso que você esquece que todo mundo da banda já passou da meia idade e provavelmente já estão preocupados com a aposentadoria.

Headsnatchers

2006-07-08T20:11:00.000-03:00

e...

http://en.wikipedia.org/wiki/Mike_the_Headless_Chicken

"Bodysnatchers", uma das músicas novas do Radiohead, e uma galinha sem cabeça chamada Mike que viveu 2 anos. O que os dois tem em comum? Só deus sabe. A única relação que eu consigo enxergar é que a minha reação a ambos foi mais ou menos algo assim.

Há Muitas Coisas Que Eu Devia Fazer Com o Meu Tempo...

2006-07-05T09:47:00.000-03:00

...e escrever um blog é uma das últimas da lista, junto com “assaltar um banco” e “fazer sexo com um idoso.”

O pior de tudo é que nós já sabemos que esse blog não vai durar mais do que alguns meses. Eu já tentei mexer com uma dessas coisas antes. Meus amigos também. Você perde o vapor pra continuar. E não importa muito, porque todo mundo que lê o seu blog já te conhece, e tudo o que você diz no seu blog, você pode basicamente dizer na cara deles, e de forma muito mais sucinta.

Resumindo: um blog é tudo o que você já diz pros seus amigos + todas as coisas que eles não querem/precisam ouvir.

Um blog é como 90% do rock progressivo.

(Se você entendeu essa referência, vá até o espelho, sorria e se aplauda. Você é especial.)

E isso torna o seu blog uma épica perda de tempo. De acordo com um amigo meu, eu devia fazer duas coisas o mais rápido possível.

“Tomar um docinho. Arrumar um emprego.”

Já o meu outro amigo (esse, homossexual) sugere que só a segunda coisa é necessária.

Mas não sei não. Como eu poderia ter tempo pra datilografar, ou carregar caixas de banana, ou vender calçados (ou a segunda opção, trabalhar) quando eu tenho todos esses posts importantes pra escrever no meu blog? É um paradoxo.

Isso tudo também é conhecido como Procrastinar. Há várias formas de procrastinar (embora eu devo notar que o blog seja sua forma mais potente e definitiva, e isso foi provado cientificamente por várias istituições científicas). Você pode fazer isso, por exemplo, assistindo os seriados da SONY que você não gosta; você pode ficar observando a sua lista de melhores álbuns do ano para ter certeza que a ordem dela está totalmente coerente com o seu nível de apreciação de cada álbum naquele exato momento, mesmo sabendo que o seu nível de apreciação vai mudar em menos de 5 minutos (é a Corrida Contra o Tempo); você pode passar 10 minutos procurando aquele artigo do The Onion onde eles zombam de pessoas que procrastinam, e acabar não encontrando tal artigo, e acabar lendo outros artigos que o sistema de busca achou que contém a palavra “procrastinar” (isso é um ritual semanas pra mim, é muito bom).

Enfim, é algo que todos já fizeram na vida, e é algo que o sistema capitalista geralmente se opõe. Mas a arte de procrastinar pode ser tão rica quanto a arte de agir/produzir. Como eu poderia saber como é a “Experiência Negra Classe Média-Alta Americana” sem aquelas reprises de The Cosby Show que eu assisti quando era jovem e impressionável? Como eu poderia saber que o David Fincher costumava a dirigir clipes da Madonna antes de Seven? Como eu poderia saber que o Hanson conseguiria fazer um cover de “Optimistic”? Como eu poderia saber que ficou bom? Como ficaria o meu quarto se eu não tivesse a vontade de arrumá-lo e organizá-lo pra evitar algum afazer ou trabalho?

Conseguem ver como isso pode enriquecer a compreensão geral do ser humano pra uma pessoa? Eu poderia escrever uma tese sobre essas merdas. Isso é importante, gente.

Deixa eu começar de novo: meu nome é Luis. Oi. Eu planejo escrever sobre coisas interessantes, e isso geralmente inclue filmes, música, livros, Aquecimento Global e Grey’s Anatomy. Eu tenho apenas 19 anos, embora isso ainda pareça muito pra mim.

Esse blog tem tudo pra dar certo.

Eu me preocupo com a imagem que esse blog vai passar de mim. Toda vez que eu leio um desses blogs "engraçadinhos" (principalmente os brasileiros), a minha imagem mental da personalidade/estilo do autor é de um cara magricelo, com óculos, que dá uma gargalhada sutil (“Há!”) a cada “observação perspicaz” que ele escreve; o tipo de pessoa que acha Clube da Luta um bom filme, mas está mais preocupado em discutir por que o Super-Homem é implausível, com aqueles “comentários sarcásticos” que ele acha maravilhoso. Ele usa um tênis branco da Nike, mas prefere chinelo em casa. Adora comer aquela feijoada, trabalha consertando computadores das 14:00 às 18:45, vê a novela das 7 (mas critica ela para os pais durante os comerciais), estuda matemática em alguma universidade federal, e ainda sabe usar um iôiô (e se gaba disso).

Peraí, isso tá específico demais.

Quem é essa pessoa?

Se você se encaixa nessa descrição, me mande um e-mail ou deixe um comentário, eu gostaria de entender porquê você assombra os meus pesadelos. Obrigado.

De qualquer forma, isso não sou eu.

Se você precisa me imaginar de algum jeito escrevendo esse blog, que seja algo assim.

Enfim, espero que você (e por "você", eu digo as 6 pessoas que vão ler esse blog) se divirta.

Pra finalizar, como presente, aqui está “Morning Mi’Lord” pra baixar. É uma música que o Radiohead compôs a alguns anos atrás e tem possibilidades de entrar no próximo álbum deles. E também é o nome do blog. Essa versão é acústica, só o Thom, mas é ótima.

You know you should,
but you don’t!

You got some nerve
coming here!

Etc.

PS: eu tenho esse apelido idiota de "Folco" e eu estou tentando me livrar dele. Portanto, pare de me chamar disso. Obrigado.